Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Ілюстрації до Калевала. « Захист Сампо«.

Сампо(Фін. Sampo) - у карело-фінській міфології єдиний у своєму роді чарівний предмет, що володіє магічною силою і є джерелом щастя, благополуччя та достатку. В епосі «Калевала» його творець Еліас Льоннрот представив Сампо у вигляді млина.

Hugo Simberg

Halla (1895)

halla- це заморозокякщо я правильно розумію, наприклад влітку вночі або з раннього ранку

У цьому сенсі картина добре передає образ.

Helene Schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — одужуюча

Hugo Simberg

Kuoleman puutarha —Сад смерті

Є кілька версій цієї картини, на цьому малюнку фреска із собору в Тампере.

Цю картину мені порекомендувала одна фінська дівчину, коли я помітив, що якось похмуро навіть для похмурих фінів, вона мені гаряче відповіла: «Смерті доглядають квіти-люди посеред пустелі, і коли змушені їх різати роблять це ніжно наче просячи вибачення…»

Hugo Simberg

Haavoittunut enkeliПоранений ангел
(1903)

Сюжет картини розгортається на пізнаваному історичному тлі: це парк Елянтарха (букв. «зоопарк») та бухта Тьоле у ​​Гельсінкі. На початку 20 століття парк був популярним місцем відпочинку для представників робітничих професій, в ньому були також благодійні установи. Дорога, якою рухаються персонажі, збереглася і сьогодні: процесія рухається по ній у бік школи, що існувала тоді для сліпих дівчаток і притулку для інвалідів.

На картині зображені два хлопчики, що несуть на ношах женоподібного ангела із зав'язаними очима і кривавим крилом. Один з хлопчиків пильно і похмуро дивиться прямо на глядача, його погляд висловлює чи співчуття до пораненого ангела, чи презирство. Фоновий пейзаж навмисно суворий і скупий, проте справляє враження спокою. Нетривіальний сюжет відкриває простір широкого спектра інтерпретацій. Грубий одяг та взуття хлопчиків, їх нахмурені серйозні обличчя протиставляються тендітній, одягненій у світлу сукню фігурі ангела, що наводить на думку про протистояння життя і смерті, кров на крилі ангела та пов'язка на очах – знак уразливості та ефемерності існування, проте в руці ангел букет пролісків - символ відродження та одужання. Життя тут начебто впритул наближається до смерті. Один із хлопчиків повернувся до глядачів, розриваючи герметичний простір картини, тим самим даючи зрозуміти, що питання життя та смерті мають до них пряме відношення. Сам Сімберг відмовлявся давати будь-яку інтерпретацію «Пораненого ангела», надаючи глядачеві самому робити висновки.

Картина вплинула на фінську культуру. Посилання на неї зустрічаються у багатьох творах високого та масового мистецтва. Кліп фінської метал-групи Nightwish до пісні «Amaranth» обігрує мотив «Пораненого ангела».

Albert Edelfelt

Pariisin Luxembourgin puistossa — У Люксембурзькому саду Парижа.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — Стара та кішка

У Галлен-Калели загалом усі картини шедеври, це справді художник світового рівня.

Ця картина написана в підкреслено натуралістичній манері, проте вона, незважаючи на всю її неприкрашеність, сповнена співчуття та любові до найпростіших і найбідніших людей.

Картина була придбана Художнім музеєм Турку в 1895 році і там і досі знаходиться.

Слово akkaя завжди важко перекладаю — і «баба», і «бабка».

Тут я трохи виявлю смаківщину і додам ще одну картину Helene Schjerfbeck— російською мовою ми читаємо її ім'я Хелена Шерфбек.

А тут саме промінчик світла та тепла.

Картина 1882 року, Tanssiaiskengät —Танцювальні туфельки.

Це, мабуть, найсумніша фінська картина. Принаймні, на мою думку.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Похорон дитини(Дослівно Похоронна процесія дитини)

Це перша фінське образотворче мистецтво жанрова композиція, написана на відкритому повітрі. Вона стала хіба що фрагментом справжнього життя, побаченої і відбитої художником. Картина розповідає про людське горе. Едельфельт зобразив просту сім'ю, що везе на човні невелику труну. Суворий ландшафт відповідає настрою людей, які проводжають в останній шлях своєї дитини. У їхніх скорботних обличчях, стриманих рухах – урочистий смуток, яким вторять біла нерухома гладь озера, світле холодне небо, далекі низькі береги.

«Похорон дитини» приніс йому звання академіка, і твір було куплено в приватну колекціюв Москві. В цей же час було організовано персональну виставку в Царському селі, а Едельфельта було представлено Олександру III та Марії Федорівні, яка також захоплювалася живописом.

Близькість художника до двору допомогла популярності фінського живопису Росії. Можна сказати, що Едельфельт був одним із тих, хто відкрив для Росії мистецтво Фінляндії.

В 1907 картина повернулася до Фінляндії і тепер знаходиться в музеї Ateneum, Гельсінкі.

Ще, від себе, я дозволив би помітити, що в цій картині дуже точно передано ставлення фінів до смерті (яка, на жаль, є частиною, останньою частиною, будь-якого життя). Воно дуже строге і стримане, тут теж є відмінність від росіян. Але ця суворість і стриманість не говорить про їхню беземоційність, просто фіни все це несуть глибоко в собі. Глибокі, ніж ми, росіяни. Але горе від цього не перестає бути горем для них.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Будівельники дороги у Карелії.

Було б дослівно «розчищувачі дороги в Карелії».

raivata- хороше дієслово: розчищати шлях
не знаю, чи є у нього спільне зі словом raivo — лють, шаленство

Але дивлячись на цю картину — можна припустити, що так.

У картині інша риса фінів — історично їм доводилося жити у вкрай несприятливому природному середовищі, тобто іноді просто люто боротися за своє існування, звідси, напевно, і ось це завзятість, яку вони показують у праці та негараздах. Принаймні, так було раніше.

Hugo Simberg

Ще одна картина Хуго Сімберга - Мрія«.

Симберга по праву відносять до символістів, його картини вкрай відкриті для трактувань та інтерпретацій.

І при цьому в його картинах завжди є дуже національне.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varios — Хлопчик і ворона.

(1884) Особисто я, до речі, лише досить дорослим дізнався, що Ворона (varios), умовно кажучи, не дружина/самка Ворона (korppi). Власне кажучи, така плутанина відбувається на щастя тільки в російській мові. Наприклад, в українському ворон — це «крук», а ворона, так і буде «ворона». Англійською слово ворон звучить raven, а ворону називають crow.

Картина зараз знаходиться в «Атенеумі».

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen äiti — Мати Леммінкяйнена.
(1897)

Картина знаходиться в «Атенеумі», Гельсінкі.

Картина описує сцену з «Калевали», де Леммінкяйнен був убитий і розчленований, а частини тіла кинуті у темну річку, Туонелу. Мати героя граблями зібрала частини тіла свого сина, і пошила їх у одне ціле. На картині вона чекає на бджола — тому дивиться вгору — яка принесе чарівний мед від старшого за званням бога Укко, який має воскресити Леммінкяйнена.

Портрет племінників Олександра III, що належить пензля одного з найвідоміших фінських художників Альберта Едельфельта та у Фінляндії вважався загубленим, несподівано виявився у художньому музеї міста Рибінська.

Фінський мистецтвознавець Сані Контула-Вебб, яка вже понад 10 років вивчає фінсько-російські художні зв'язки, знайшла картину випадково в Інтернеті, на сайті музею-заповідника Рибінська, але під іншою назвою. Запит з ім'ям художника, вбитий у пошуковику на кирилиці, напевно, всоте, раптом дав несподіваний результат - око дослідника зачепилося за зображення, яке не зустрічалося раніше, але здалося дуже знайомим.

"У Фінляндії картина вважалася зниклою. У російських джерелах я теж не стикалася з інформацією про її місцезнаходження. Ніде раніше не друкували її репродукції. Але в Атенеумі зберігаються ескізи, зроблені Едельфельтом, і я мала приблизне уявлення, як має виглядати портрет", - розповіла "Фонтанке.fi" Сані Контула-Вебб.

Фото: Sani Kontula-Webb
Сани Контула-Вебб пише дисертацію про вплив Академії мистецтво Фінляндії під час її автономії (з 1809 по 1917 р.).

Йдеться портрет двох племінників імператора Олександра III - Бориса і Кирила, синів його брата, князя Володимира. Робота Едельфельта під назвою "Діти" зберігається в музеї Рибінська, в техпаспорті картини, складеному ще в 80-і роки, йдеться, що на ній зображені дівчатка, - діти одягнені в сукні, а волосся у них довге і кучеряве, відповідно до моди тих часів. Але опис застарів.

Фото: Sani Kontula-Webb
На картині "Діти" зображені племінники імператора Олександра III, сини князя Володимира Олександровича Кирило та Борис.
Портрет був написаний в 1881 на замовлення князя Володимира, який очолював Академію мистецтв, і спочатку зберігався в його палаці в Царському Селі. Що сталося після революції, залишалося для фінських мистецтвознавців невідомим. Згідно з техпаспортом, вона надійшла до сховища музею Рибінська в 1921 році.

Фото: Sani Kontula-Webb
Інвентарний номер на заднику картини свідчить, що вона зберігалася у палаці князя Володимира.
Вартість картини не оцінено. На аукціоні Bukovskis роботи Альберта Едельфельта було продано за суми від 18 до 120 тисяч євро.

"Альберт Едельфельт для Фінляндії - як Рєпін для Росії, - каже Контула-Вебб. - Він національний, усіма улюблений і шанований художник, який зробив блискучу кар'єру, його картини виставлялися в Академії мистецтв, йому пропонували професуру". Саме портрет дітей князя Володимира відкрив для художника шлях до фаворитів російського імператорського двору. Після цього Едельфельта було представлено дружині імператора Олександра III Марії Федорівні (Дагмар), і вона замовила йому портрети своїх дітей - Ксенії та Михайла. Потім художнику вже позував особисто Микола Другий, що вважалося великим знаком поваги - офіційні портрети зазвичай копіювали або вже з існуючого, або з фотографії.

У музеї Рибінська прихильно поставилися до ідеї фінів організувати виставку, але спочатку картину доведеться відреставрувати.

На запитання "Фонтанки.fi" про те, чи є шанс виявити якісь інші зниклі роботи фінського живописця, Сані Контула-Вебб відповіла із сумнівом та надією. За її словами, існував камерний портрет Миколи Другого, який призначався для його дружини Олександри. На ньому імператор зображений у халаті домашній обстановці: "Якщо він, звичайно, дійшов до наших днів після революції..."

Альберт Густав Арістід Едельфельт (швед. Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905) - фінський живописець, графік шведського походження. Писав картини на історичні та побутові сюжети, портрети, краєвиди. Працював у монументальному живописі. Використовував техніку пастелі та акварелі. Частина його робіт зберігається в Ермітажі.

Фінський художник Berndt Lindholm (1841–1914).

Берндт Адольф Ліндхольм Berndt Adolf Lindholm, (Ловіїса 20 серпня 1841 - 15 травня 1914 року в Гетеборзі, Швеція) був фінським художником, вважається також одним із перших фінських імпресіоністів. Ліндхольмтакож був першим скандинавським художником, який поїхав навчатися до Парижа. ППерші уроки малювання він отримав у Порвоо у художника Йохана Кнутсона, а потім перевівся до фінської школи малювання товариства мистецтв у Турку. У 1856-1861гг. він - студент Екмана.1863-1865гг. Ліндхольм продовжив своє навчання за кордоном у Дюссельдорфській Академії мистецтв.Він залишив Німеччину і разом із ( Яльмар Мунстерхельм) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905)(Тулос 19 жовтня 1840 р. - 2 квітня 1905 р.)повернувся на батьківщину в Карлсруе (1865-1866), де став брати приватні уроки уHans Fredrik Gude (1825-1903),а потім побував двічі в Парижі в 1873-1874, де його вчителем був Леон Бонна. У Франціїтісно спілкувався із барбізонцем Шарлем-Франсуа Добіньї.Він також із задоволенням оцінив роботи Теодора Руссо і захоплювався творчістю Жана-Батиста Каміля Коро.Першу персональну виставку було проведено в Гельсінкі восени 1870 року, де Ліндхольм отримав високу оцінку. У 1873 р. Академією Мистецтв дано звання академіка за картину «Ліс у провінції Саволас» та ін.в 1876 році він був нагороджений медаллю всесвітнього ярмарку у Філадельфії; у 1877 році він був нагороджений фінською Державною премією. Ліндхольмжив переважно за кордоном. У 1876 році він переїхав до Гетеборга і працював у музеї куратором (1878-1900). Він також викладав у Гетеборгській школі малюнку та живопису, потім був обраний президентом Академії образотворчих мистецтв та членом Шведської Королівської академії.Він був більш універсальним, ніж його друг художник і суперник Магнус Яльмар Мунстерхельм, який залишився вірним все своє життя романтичному пейзажуСпочатку Ліндхольм малював також типові романтичні пейзажі, а потім, під впливом французького пленерного живопису, поступово стає близьким до реалізму. До кінця своєї кар'єри він переключився тільки на прибережні та морські пейзажі. Відомо також, що Ліндхольм брав участь в ілюстрації книги Захарія Топеліуса - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - один із найпрекрасніших представників літератури Фінляндії. Поет, романіст, казкар, історик і публіцист, - він заслужив любов і визнання як на батьківщині, так і далеко за її межами. Топеліус писав шведською мовою, хоча чудово володів і фінською. Твори Топеліуса перекладені більш ніж двадцятьма мовами. Він мав надзвичайно багатогранний талант і дивовижну працездатність, повне зібрання його творів налічує тридцять чотири томи. (З.Топеліус. Подорож Фінляндії. Видання Ф. Тильгмана, 1875г. Пер. зі швед. Ф.Хеурена. Містить безліч гравюр з справжніх картин А.фон Беккера, А.Едельфельта, Р.В.Экмана, В.Хольмберга, К.Е.Янсона, О.Клейне, І.Кнутсона, Б.Ліндхольма, Г.Мунстергельма та Б.Рейнгольда). Ілюстрації Ліндхольма в кількості 10 присвячені водоспаду Іматра. У Фінляндії не повною мірою були оцінені роботи художника періоду перебування його у Франції, майже всі вони знаходяться у приватних колекціях.

Кам'янистий пляж . Далі... ">

Скелі, освітлені сонцем.

Узлісся соснового лісу.

Лісовий краєвид з фігурою дроворуба.

Річка, що протікає через скелясту місцевість

Врожай вівса.

Берегова лінія

Зимовий пейзаж в місячному світлі

Вид з берега.

Човни на причалі

Скірди.

Краєвид з березами.

Морський пейзаж.

Морський пейзаж.

Вид на скелі.

Туга

сонячне світловлісу.

Вид на Ладогу.

Рибалки в ранковому тумані

Кораблі на горизонті.

Монмарт, Париж.

Від острова Порвоо

Корови на пасовищі

Мистецтво Фінляндії

М. Безрукова (живопис та графіка); І. Цагареллі (скульптура); О. Швидковський С. Хан-Магомедов (архітектура)

Формування фінської національної школи в образотворчому мистецтві сягає першої половини 19 століття. У 1809 р. за Фрідріхсгамським світом Фінляндія увійшла як Великого князівства до складу Російської імперії, і країна, що близько 600 років була шведською провінцією, отримала відносну самостійність. До цього мистецтво Фінляндії було піддано шведським, а через Швецію і датським впливам. Народні традиції збереглися лише в оповідях епосу «Калевала», в килимах ручного ткацтва-«рюйю»-в різьбленні по дереву. Ці живі традиції і послужили основою для піднесення національної самосвідомості в першій половині 19 ст, чому сприяла діяльність історика та філолога X. Г. Портана, письменника Рунеберга, збирача рун «Калевали» Льоннрота. У ці роки з'являється і ряд художників, які мають на меті створення національної школи в живописі та скульптурі. Велика роль її формуванні належить виниклому 1846 р. Фінському художньому суспільству, керованому Робертом Экманом (1808 -1873). Він був автором написаних із документальною точністю жанрових картин, і фінські історики називають його «батьком фінського мистецтва». Творчість Екмана сприяло наближенню мистецтва до народного життя. У пейзажному живописі Вернер Холмберг (1830-1860) прокладає шляхи створення національного пейзажу. Проте справжнє піднесення фінського живопису падає на 1880-1890-ті роки. і пов'язані з іменами А. Галлен-Каллела, А. Едельфельта, Еге. Ярнефельта і П. Халонена. Мистецтво цих художників увійшло золотий фонд фінської художньої культури і є найбільш цінну частину її вкладу у світове мистецтво.

Альберт Едельфельт (1854-1905) був першим фінським художником, який досяг світової популярності. Його творчість займає важливе місце в історії розвитку фінського живопису. Едельфельт, швед за походженням, навчався спочатку в Гельсінкі, потім в Антверпенській Академії мистецтв і закінчив свою освіту в Парижі у Ж. Л. Жерома. З ім'ям Едельфельта пов'язують зародження імпресіонізму у Фінляндії.

Едельфельт починає як історичний живописець («Шведський король Карл ображає труп свого ворога штатгальтера Флеммінга в 1537», 1878; Гельсінкі, Атенеум), але справжній розквіт його творчості обумовлений зверненням до тем з життя народу. Кращими полотнами художника є «Баби з Руоколахті» (1887), «Рибалки з далеких островів» (1898; обидва - Гельсінкі, Атенеум, «Оповідач Параске» (1893; німецькі приватні збори), що відрізняються національною тематикою та яскравістю мальовничої мови. Бабах з Руоколахті» художник відтворює сцену з народного життя- чотири селянки в національних костюмах розмовляють біля церковної огорожі. характерні рисиманери Едельфельта-живописця.

Едельфельт був видатним портретистом, який залишив нам галерею сучасників; до кращих портретів належать «Портрет Л. Пастера» (1885), «Портрет співачки А. Акте» (1901), «Портрет матері» (1883; всі - Гельсінкі, Атенеум). Однією з останніх робіт Едельфельта був монументальний розпис «Урочистість відкриття університету в Або» (1904) для актового залу університету в Гельсінкі.

Ееро Ярнефельт (1863-1937) увійшов до історії фінського живопису як співак життя фінського селянина, проникливий пейзажист і чудовий портретист. Навчався він у школі малювання Товариства художників у Гельсінкі, потім у Петербурзькій Академії та Парижі. Свої найкращі твори він створив у 1880-1890-і рр.: «Прачки на березі» (1889; Гельсінкі, приватні збори), «Повернення з лісу з ягодами» (1888; Хямеєнлінна, Музей мистецтв), «Підневільна праця» (1893) ; Гельсінкі, Атенеум). Усі вони були написані на основі безпосередніх вражень. Так, картина «Підневільна праця» розповідає про непосильну роботу селян, які викорчовують та випалюють пні. З німим докором дивиться на глядача дівчинка-підліток з обличчям, вкритим кіптявою. Ярнефельт створив гострохарактерні портрети низки громадських діячів Фінляндії («Портрет професора Данієлсона-Калмара», 1896; Гельсінкі, приватні збори).

Демократичний характер має і мистецтво Пеки Халонена (1865-1933), який навчався спочатку в Гельсінкі, потім у Парижі та Італії. Блискуче володіючи мальовничою технікою роботи на пленері, Халонен усе своє вміння доклав зображення свого народу і рідної природи. Так, його «Сплавники лісу біля багаття» (1893; Гельсінкі, Атенеум) пронизані теплим почуттям до суворої природи та бідних людей Фінляндії. Звичайні сюжети Халонен вирішує в монументально-епічному плані, і в той же час у пейзажах він розкривається як тонкий поет: тиха заплава затоки, карельські будиночки, бурхлива хода північної весни - все тут пронизане ліричним почуттям. Незважаючи на те, що Ярнефельт і Халонен померли в 30-х рр., кращі роботи їх були створені в 1890-х рр., і мистецтво цих живописців розвивалося ще цілком у традиціях 19 століття.

На відміну від них у творчості найбільшого фінського художника, Акселя Галлен-Каллела (1865-1931), знайшли відображення ті протиріччя, які були характерні для мистецтва кінця 19-початку 20 ст. У 1900-ті роки. Галлен-Каллела став одним з провідних художників стилю модерн, що формується, і лише поступово, в останні два десятиліття життя він подолав модернізм і повернувся до реалістичного живопису.

У ранній період творчості на молодого художника великий вплив зробив Бастьєн-Лепаж. Вже роботи другої половини 1880-х років. свідчать про зрілість та майстерність таланту художника. Картина «Перший урок» (1889; Гельсінкі, Атенеум), що зображує сільську хату, у якій старий рибалка слухає дівчинку, відзначена рисами справжнього реалізму. Багато подорожуючи країною з метою глибшого вивчення життя народу, Галлен-Каллела пише пейзажі та жанрові картини («Пастух з Панаярві», 1892; Гельсінкі, приватні збори). У 1890-ті роки. розширюється коло тем Галлена, він звертається до карелофінського національного епосу «Калевала» і створює ряд робіт на теми епосу (триптих «Легенда про Айно», 1891, Гельсінкі, Атенеум; «Викрадення Сампо», 1896, Турку, Музей мистецтв; «Мати Леммін»; », 1897, Гельсінкі, Атенеум, «Помста Йоукахайнена», 1903, офорт). Все більше захоплюючись фантастикою та героїкою «Калевали», Галлен починає пошуки нових стильових прийомів для вираження раціональної специфіки, проте ці пошуки призводять до модерністської стилізації, характерної мистецтва початку 20 в. Поступово у його творчості знижується інтерес до великий темінародного життя. Поєднання містики та натуралізму відзначено його фрески в надгробній капелі Юселіусу в Порі (1901-1903). Існують риси модернізму і в розписах фінського павільйону на Всесвітній виставці в Парижі в 1900 р. Протягом великого творчого шляху Галлен створив багато пейзажів, портретів, працював як ілюстратор (ілюстрації до роману «Сім братів» Алексіса Ківі); не все в його спадщині може бути прийняте беззастережно, але в його кращих творахрізних років, створених до періоду захоплення модернізмом і в 20-ті рр., ми знаходимо справжню реалістичну міць, глибоку народність, що дають право вважати Галлен-Каллела великим національним художником, який приніс славу своїй країні; недарма його так високо цінував М. Горький, який з ним багаторічне листування.

Талановитою художницею була і Хелена Шерфбек (1862-1946), яка здобула художню освіту в Петербурзі. Її картина «Дитина, що одужує» (1888; Гельсінкі, Атенеум) належить до кращих досягнень реалістичного фінського живопису. Але з поширенням наприкінці 19 ст. модернізму у Фінляндії Шерфбек, як і багато її колег, уникає реалізму. Суперечною була і творчість Юхо Сімберга (1873-1917), відзначена рисами містики та символізму. Вплив модернізму наклав свій друк і творчість художника дуже демократичного за своїм складом - Юхо Риссанена (1879-1950).

На початку нового століття у мистецтві Фінляндії посилюються формалістичні тенденції. Починається відхід реалістичних національних традицій, відступ від завдань демократичного мистецтва. У 1912 р. виникає група "Септем", ідейним главою якої був Магнус Енкел (1870-1925); до неї входили Ст Томе, М. Ойнонен та інші. У 1916 р. на чолі з Тюкко Салліненом (1879-1955) було створено інше велике угруповання - «Листопад». Художники, що входили в ці угруповання, на шкоду змістовності мистецтва захоплювалися проблемами світла і кольору («Септем») або прагнули перекрученого, деформованого зображення дійсності («Листопад»). Одним з найбільш значних угруповань останнього часу є група «Призма», що виникла 1956 і об'єднує художників, що працюють у різних манерах. Сюди входять Зігрід Шауман (р. 1877), Рагнар Еклунд (1892-1960)-представники старшого покоління живописців, а також Сам Ванні (р. 1908), що працює переважно в абстрактній манері та інші.

З кінця 50-х років. абстракціонізм захоплює все більші кола фінських художників. Але поряд з цим ряд художників-живописців, таких, як Леннарт Сегерстроде (р. 1892), Свен Ґренвалл (р. 1908), Ева Седерстрем (р. 1909), Ееро Нелімаркка (р. 1891) та інші, продовжують працювати в реалістичних традиціях.

Значне місце у мистецтві Фінляндії займає графіка, розквіт якої у 19 столітті був із іменами Галлен-Каллела, А. Едельфельта, Ю. Симберга. У наші дні продовжувачами найкращих демократичних традицій у графічному мистецтві Фінляндії є Ерккі Тантту (р. 1917), Леннарт Сегерстроле, Вілхо Аскола (р. 1906) та інші майстри. Незважаючи на відмінність творчих манер і жанрів, у яких вони працюють, їх поєднує прагнення показати конкретне життя сьогоднішньої Фінляндії, любов до простої людини. Л. Сегерстроле, представник старшого покоління графіків, свої листи «Мисливці за тюленями» (1938), «Після бурі» (1938, суха голка) присвячує темі праці, вони пронизані співчуттям до простої людини-трудівника. Красу праці оспівує у своїх гравюрах «Ліс везуть» (1954), «Сплавники» (1955) та ін. е. Тантту. Його листи відрізняються монументальним трактуванням образу людини та поетичності зображення рідної природи. Красу та суворість фінського пейзажу передає у своїх графічних роботах «Зимовий ранок» (1956), «Озеро в Лаппі-Ебі» (1958) В. Аскола.

Чудовим майстром книжкової ілюстрації є Тапіо Тапіоваара (нар. 1908), автор графічних аркушів на гостросоціальні теми («Події Кемі 1949 р.», 1950).

Значне місце в художньому житті Фінляндії займає широке розвиток скульптура. Першими вчителями фінських скульпторів були шведські майстри. Основоположником фінської скульптури вважається Карл Енеас Шестранд (1828-1906), який приїхав у 1856 р. у тодішню столицю Фінляндії – Турку. Він був запрошений до створення пам'ятника X. Р. Портану, найбільшому збирачеві фінського епосу; цей пам'ятник і досі користується заслуженим визнанням. Тоді він починає цікавитися епосом «Калевала» і виконує ряд творів на теми епосу («Куллерво замовляє свою шаблю», 1867; Гельсінкі, парк Гесперіа). Шестранд відомий не лише як художник, але насамперед як майстер, який організував свою школу. Реалістичні традиції цієї школи можна простежити на початок 20 століття.

Серед його учнів були такі відомі фінські скульптори, як Вальтер Руненберг (1836–1920) та Йоханнес Такканен (1849–1885). Ці фахівці були представниками двох ліній розвитку фінської скульптури. Почавши художню освіту у Шестранда, вони продовжили їх у Копенгагені та Римі, Але по-різному склалися їхні долі. Для сина відомого фінського поета, близького до правлячих шведських кіл, Вальтера Руненберга шлях мистецтво був простим і легким. І на батьківщині і в Парижі, де він влаштувався з середини 1870-х рр., його класицистичні портрети і пам'ятники, сповнені зовнішньої патетики та ідеалізації, мали успіх («Психея з орлом Юпітера», 1875, мармур, Гельсінкі. Атенеум. Сумна Фінляндія», 1883, бронза). Але, незважаючи на успіх та офіційні замовлення, цей майстер-класицист нічого не дав свого для розвитку фінської національної скульптури - він лише ввів її в русло римської академічної школи того часу, Йоханнесу Такканену, синові бідного селянина, було набагато важче. Талановитому скульптору, все своє коротке життя примушеному боротися з злиднями (він помер 36 років у Римі, майже злиденним, серед людей, які не могли навіть зрозуміти останніх слів вмираючого), не вдалося домогтися визнання. Такканен не зміг розкрити свого обдарування - докласти сили до виконання монументальних скульптур. Але навіть ті невеликі статуетки, які збереглися, свідчать про велике та оригінальне дарування майстра. Такканена справедливо називали співаком жіночої краси, його статуетки сповнені ліризму та м'якості («Прикована Андромеда», 1882; «Айно»-мотив із «Калевали», 1876; обидві – Гельсінкі, Атенеум).

Простота, природність, національні типи та образи-все це виглядало надто сміливо та незвично для класицистичного Риму. Підтримки ж з боку батьківщини Такканен не отримав. Так Фінляндія втратила свого першого національного художника.

У 1880-1890-х роках. скульптура стає у Фінляндії одним із провідних жанрів. У містах встановлюються пам'ятники великим діячам, створюється паркова скульптура, рельєфи для оздоблення громадських та приватних будівель. Основною спрямованістю усієї монументальної скульптури була пропаганда національних ідей; саме в ці десятиліття найбільш чітко визначається художня орієнтація фінських майстрів створення і ті шляхи, якими піде сучасна фінська скульптура. Салонно-традиційна лінія була наочно представлена ​​творчістю Вілле Валлгрена (1855-1940). Найбільш яскравим майстром, що розвиває народні традиціїфінської скульптури був Еміль Вікстрем (1864-1942).

Валлгрен близько 1880 р. оселився у Парижі. Великий успіх у паризькій «широкій» публіки здобули дрібні жанрові статуетки Валлгрена («Мар'ятта», 1886, мармур, Турку, Музей мистецтв; «Луна», 1887, мармур; «Весна», 1895, золото, обидві - Гельсінкі, ін). Його творам притаманні химерна декоративність, чуттєвість, а найчастіше і солодкість. Наприкінці 1890-х років. він починає захоплюватися витягнутими пропорціями, звивистою лінією контуру. З роками у нього все більше проявляється тяжіння до декоративності та літературності. Коли ж Валлгрен намагався зображати своїх кокетливих дівчат у монументальних формах (фонтан Хавіс Аманда в Гельсінкі, 1908), він зазнав невдачі, оскільки був майстром малих форм.

На відміну від Валлгрена Еміль Вікстрем лише у 1890-х pp. віддає данину французької салонної віртуозності («Сон невинності», 1891; Гельсінкі, Атенеум). Вже в 1900-х роках. мистецтво його мужніє. Історія та сучасність Фінляндії стають основними темами його робіт. Змінюється і обробка матеріалу, деяка химерність поступається місцем міцній пластичній формі. Такою є одна з його центральних робіт - фриз на головному фасаді палати представників сейму (1902, Гельсінкі). Ця грандіозна композиція, виконана в бронзі, складається з алегоричних сцен, що розповідають про історію фінського народу, його роботу та боротьбу за незалежність. Вікстрем відомий і як майстер портретної та монументальної скульптури. У 1886 р. він виконав зручний портрет живописця Галлен-Каллела (бронза, Гельсінкі, Атенеум), в 1902 р.- пам'ятник збирачеві епосу «Калевала» Льоннроту (Гельсінкі), композицію «Сплавники лісу». Однією з його останніх робіт був пам'ятник І. В. Снеллман (1923, Гельсінкі). Монументальним і портретним роботам Вікстрема притаманні глибокий реалізм, уміння знайти найбільш характерне, типове в портретованому.

Учнем Вікстрема був Еміль Халонен (1875-1950), який відродив народні традиції різьблення по дереву. Йому належать численні рельєфи з сосни («Об'їзник оленя», 1899), скульптури в дереві («Молода дівчина», 1908; обидві роботи – Гельсінкі, Атенеум). Найбільш цікавою роботою Халонена були рельєфи для фінського павільйону на Всесвітній виставці в Парижі в 1900 р. (Гельсінкі, Атенеум), виконані в дещо архаїчній манері, що імітує народне різьблення по дереву; просто та лаконічно вони відтворювали сценки народного життя. Прийоми різьблення по дереву, вироблені Халоненом, продовжили і розвинули такі скульптори, як Альбін Каасінен (р. 1892) і Ханнес Аутере (р. 1888), творці сценок з народного життя, які з великим гумором і майстерністю розповідають про своїх сучасників.

У 1910 р. з ініціативи Фелікса Нюлунда (1878-1940) було створено Союз скульпторів Фінляндії, який зіграв велику організуючу роль. Для ранніх робіт самого Нюлунда характерне прагнення до узагальненої пластичної форми за збереження інтересу до психологічної характеристики моделі. Особливо гарні його дитячі портрети («Ервін», 1906, мармур; Гельсінкі, Атенеум), що відрізняються свіжістю та теплотою. Пізніше Нюлунд, як і більшість художників старшого покоління, захопився модерністськими течіями і відійшов від реалізму.

Десяті-двадцяті роки ознаменовані у фінському мистецтві тяжінням до експресіонізму, а потім абстракціонізму. Починаються пошуки «самовдоволеного обсягу», «чистої форми» тощо, і лише небагатьом скульпторам вдається протистояти цим чужим впливам. Серед них потрібно в першу чергу назвати найбільшого сучасного скульптора-реаліста, який приніс Фінляндії світову славу, - Вяйне Аалтонена (нар. 1894).

Художню освіту Аалтонен здобув у школі малювання у Турку під керівництвом В. Вестерхольма. Школа випускала живописців, але, попри припущення своїх вчителів, Аалтонен став скульптором. Мистецтво скульптури приваблювало його з дитинства, воно було його покликанням. Аалтонен – той майстер, про якого у Фінляндії говорять, що він розбудив від вічного сну гранітні скелі. Чорний та червоний граніт став улюбленим матеріалом Аалтонена. Діапазон цього художника надзвичайно широкий: ним створена величезна портретна галерея сучасників, паркові скульптури та статуї атлетів, надгробні пам'ятники та монументальні рельєфи, що прикрашають урядові та громадські будівлі, камерна скульптура з дерева та теракоти, картини маслом та темпери на теми. Вже ранні роботи Аалтонена - серія так званих «Дів» («Дівчина, що йде вброд», 1917-1922, граніт; «Сидюча молода дівчина», 1923-1925, граніт; все в приватних зборах)- викликали інтерес публіки своїм великим лір теплотою та поетичності у зображенні оголеного жіночого тіла та надзвичайною м'якістю обробки матеріалу. В ці ж роки Аалтонена займає і тема оголеного чоловічого тіла, і він створює один зі своїх шедеврів - статую бігуна Пааво Нурмі (1924-1925, Бронза; Гельсінкі); легкість, впевненість та свобода сильного, мускулистого тіла чудово передані скульптором. Щойно торкаючись ногою постаменту, Нурмі ніби летить уперед.

Портретним мистецтвом Аалтонен починає займатися ще в юнацькі роки і продовжує роботу в цьому жанрі донині. Його можна вважати одним із творців сучасного фінського скульптурного портрета. Його мистецтво засноване на глибокому проникненні у внутрішній світ портретованого та жорсткого відбору елементів, з яких складається характеристика моделі.

Серед найкращих портретних робіт Аалтонена можна назвати портрет письменниці Марії Йотуні (1919, мармур; приватні збори) з добрим, трохи сумним обличчям; сувора, повна сили та гідності голова В. Вестерхольма (1925, граніт; приватні збори) передає глибоку зосередженість вчителя Аалтонена. Прекрасні портрети композитора Яна Сібеліуса (1935, мармур; Порі, Будинок-музей Сібеліуса), чия могутня голова ніби виростає з кам'яного блоку, і поета Аарро Хеллаакоскі (1946, бронза; приватне зібрання), де граничний лаконізм форм і засобів відтворенню образу цього розчарованого у житті друга молодості Аалтонена.

Великий інтерес становлять монументальні роботи Аалтонена. Глибоко національні трактування образів його оголені постаті на мосту в Тампере (1927-1929, бронза). Прекрасна у своїй суворій стриманості героїня «Калевали» «Мар'ятта» (1934, бронза; власність автора): молода жінка в спадаючій землі сукня стоїть, високо піднявши на руках дитини, погляд її сповнений смутку і ніжності, плавні обриси її стрункого силуету. Пам'ятник Алексісу Ківі (1934, бронза) у Гельсінкі відтворює сумний образ великого фінського письменника, який рано помер у злиднях, так і не отримавши за життя визнання. Гіркі думки обурюють людину, що сидить у глибокій задумі, похилилася голова, безсило впали на коліна руки. Суворі форми дуже компактної пам'ятки добре вписані в ансамбль міста.

Серед монументальних рельєфів Аалтонена пам'ятник на честь перших фінських переселенців у Делавері (Канада; 1938, червоний граніт) займає особливе місце – це, мабуть, одна з найнаціональніших за духом його речей. Пам'ятник є плитою, поздовжні сторони якої прикрашені рельєфами. Особливо гарний рельєф «Прощання з рідним берегом». Далеко в морі видно обриси корабля, а на передньому плані, біля кам'янистого берега, в суворому мовчанні застигли ті, хто проводжав; через кілька хвилин човен доставить сміливців на корабель, що йде до невідомих країн у пошуках кращого життя. Аалтонен, який завжди уникає патетики, ефектів і різких рухів, вибрав той момент, коли всі слова вже сказані - настала хвилина мовчання. Крайній лапідарності пластичного розв'язання рельєфу протистоїть чітка опрацьованість контурного малюнка фігур.

Цю національну специфіку і в типажах і трактуванні образів ми знаходимо і в мальовничих і графічних роботах Аалтонена, таких, як «Куллерво» (1930-1940, темпера), в поетичному «Поверненні з вечірнього надію» (1939, малюнок обидві); автора).

Теми миру та дружби між народами, солідарності трудящих близькі та дороги Аалтонену. До 1952 відноситься бронзовий пам'ятник «Дружба», що символізує дружбу фінського міста Турку і шведського міста Гетеборга (пам'ятники встановлені в обох містах). Великим внеском у справу світу стала скульптура Аалтонена «Світ» у Лахті (1950-1952, граніт), що зображує світ як монументальної постаті жінки з високо піднесеними руками, ніби перегороджує дорогу війні. За цю скульптуру 1954 р. Всесвітньою Радою Світу Аалтонену було вручено золоту медаль.

Незважаючи на те, що в останні десятиліття у фінській скульптурі абстракціонізм як офіційний напрямок зайняв досить міцне місце, велика група молодих художників, новаторсько розвиваючи реалістичні основи мистецтва як у портретній, так і в монументальній скульптурі, не дає абстракціоністам посісти провідне місце. Серед майстрів-реалістів слід назвати таких великих художників, як Ессі Ренвалл (р. 1911) та Аймо Тукіяйнен (р. 1917). Ессі Ренвалл – художниця тонкого, ліричного обдарування, їй належить багато портретів сучасників («Оні Окконен», бронза), особливо залучають її дитячі образи. Крім портретів, Ренвалл створює і узагальнені образи. простих людей(«Текстильниця», бронза; парк у Тампере). Ренвал працює в мармурі та бронзі, а Останнім часомдля посилення виразності застосовує інкрустацію кольоровим камінням та металом. Аймо Тукіяйнен створює монументально трактовані портрети («Портрет Товіо Пекканена», 1956, бронза) та пам'ятники (пам'ятник Еету Саліну, 1955, бронза); цей встановлений посеред басейну пам'ятник зображує втомлену людину в робочому одязі, що схилився на коліно, щоб змити з лиця пил.

Боротьбі за зміцнення світу багато в чому присвячено і медальєрне мистецтво Фінляндії, яке досягло високого розквіту за останні десятиліття. Напрочуд тонкі, гармонійні та пластичні медалі Аалтонена, Герди Квіст (р. 1883) та інших майстрів, присвячені видатним сучасникам та подіям.

Дев'яності роки 19 століття ознаменувалися рішучим переломом у розвитку фінської архітектури, яка, відійшовши від традиційного класицистичного академізму, стала шлях пошуків у дусі нового національно-романтичного напрями. Характерна для цього періоду увага до фінської та карельської народної архітектури була пов'язана зі зростанням національної самосвідомості і в той же час перегукувалася з тенденцією використання місцевих матеріалів, що виявилася в західноєвропейській (особливо англійській та шведській) архітектурі. У загальне русло освоєння національної культури Суомі останнє десятиліття 19 століття влилися дослідження архітекторів Ю. Бломстеда і В. Суксдорфа («Карельські будівлі та декоративні форми», 1900), роботи фінських художників, що оспівують своєрідну красу цієї північної країни, музика Яна Сібедіуса (симфонічна поема «Фінляндія», легенда «Туонельський» , "Весняна пісня"), що малює картини суворої природи краю.

У цій атмосфері формується плеяда видатних фінських архітекторів, серед яких найбільш чільне місце займають Ларе Сонк, Герман Гезеліус, Армас Ліндгрен і особливо Еліель Саарінен (1873-1950). Сонк одним із перших використовував у ці роки зроблені з колод будівлі і кладку з грубого каменю для досягнення особливої ​​виразності архітектури національного романтизму. Його собор у Тампере (1902-1907) здобув широку і заслужену популярність завдяки Емоційності образу, силі та гармонійності задуму.

На Всесвітній виставці в Парижі в 1900 р. отримав широке визнання фінський павільйон, створений Гезеліусом, Ліндгреном і Сааріненом, який виділявся на тлі маси еклектичних та перевантажених декором будівель своєю простотою та композиційною ясністю. Одним з найбільш яскравих творівцього періоду є житловий будинок у Втреске, побудований для себе групою архітекторів у 1902 р. Будівля відрізняється винятковою монументальністю, мальовничою композицією мас та органічно зливається з навколишньою природою. У цій споруді до високого ступеня досконалості доведено вільне планування приміщень та використання виразних можливостей дерева та граніту.

Велике значення для фінської архітектури цього періоду, як визнають самі фінські архітектори, мала зв'язок із сучасною ним російською художньою культурою, у якій у роки був поширений інтерес до освоєння традицій народного зодчества, прикладного мистецтва, фольклору ( Цей вплив визначалося існуванням тісних культурних зв'язків між російським та фінським мистецтвом. Зокрема, Еліель Саарінен був дійсним членом Петербурзької Академії мистецтв та підтримував постійні контакти з такими діячами російської культури, як М. Горький, І. Грабар, Н. Реріх та інші.).

Наприкінці першого десятиліття 20 в. у Фінляндії складається новий напрямок, близький за своїм характером до російського модерну, але відрізняється від нього великим лаконізмом і стриманістю. Тут також найбільшим майстром виступає Еліель Саарінен. У його проектах Палацу світу в Гаазі (1905), фінляндського сейму (1908), ратуші в Таллінні (1912) і особливо в здійсненому проекті залізничного вокзалу в Гельсінкі (1904-1914) отримує розвиток улюблений Сааріненом прийом протиставлення масивного, службовця для неї хіба що непорушною основою. Свого апогею ця тема досягає в проекті Будинку-музею національної культури, відомого під назвою Будинку Калевали в Мунккініємі (1921), де красива за своїм малюнком і пропорційним строєм будівля великовагою своїх форм нагадує кріпосну споруду, створену як би шляхом обробки вершини гранітної гранітної. Розроблений Сааріненом образ громадського будинку кілька суворий і похмурий, але неповторно своєрідний і органічно пов'язані з національними особливостями фінської архітектури.

До цього періоду відносяться і перші містобудівні роботи Саарінена (конкурсний проект Канберри, 1912; генеральний план Мунккініємі-Хаага, 1910-1915), в яких прагнення до максимальної монументалізації великих міських комплексів поєднується з зароджуються новими уявленнями про організм населеного пункту. .

Закінчення першої світової війни та надання Фінляндії з ініціативи В. І. Леніна державної самостійності було ознаменовано в галузі архітектури рядом великих містобудівних робіт. Найбільш значною з них був проект Великого Гельсінкі (1918), який висунув Еліеля Саарінена до числа визнаних авторитетів світового містобудування. У проекті було проведено диференціацію житлових районів столиці та децентралізацію розселення в містах-супутниках з послідовністю, якої раніше ніхто не домагався. Автор чудово використовував порізані озерами та затоками приміські території для локалізації окремих житлових комплексів, органічно вписаних у природу.

У 20-30-х роках. у Фінляндії будується ряд великих та значних за своєю архітектурою громадських та торгових будівель. Серед них виділяється будівля парламенту (1931, архітектор І. Сірен). Характерно, що ця споруда витримана в урівноважених строгих формах неокласицизму, що зберегли до 30-х років. сильні позиції у Фінляндії.

Цікавим і сучаснішим за своїми формами був збудований у Гельсінкі в 1926-1931 рр. ще одним видатним представником фінської архітектури, Сігурдом Фростерусом, універмаг фірми Штокман. У зовнішніх формах відбився властивий фінської архітектурі цього часу монументалізм. Інтер'єри універмагу, збудованого на основі залізобетонного каркасу, отримали широкий, широко відкритий і вільно організований торговельний простір, характерний для нових споруд цього типу.

З 30-х років. 20 ст. провідною фігурою фінської архітектури стає Алвар Аалто (р. 1898)-талановитий архітектор, що вийшов з сім'ї лісника і завоював згодом, як і Еліель Саарінен, світову популярність і увійшов до найбільших архітекторів нашого часу. У 1929-1933 pp. А. Аалто будує туберкульозний санаторій в Пайміо на південному заході Фінляндії, цілком витриманий у дусі європейського функціоналізму і в той же час відрізняється місцевою своєрідністю - винятковою чистотою і свіжістю своїх архітектурних форм, вільною композицією об'ємів, органічним зв'язком з рельєм. Поряд із будівлею Баухауза в Дессау В. Гропіуса та роботами Ле Корбюзьє ця споруда є однією з найзнаменитіших та етапних у розвитку сучасної архітектури. Іншою роботою А. Аалто, так само як і санаторій у Пайміо, що заслужено вважається однією з найкращих європейських будівель 30-х рр., стала будівля бібліотеки у Виборзі. У ньому привертає увагу ретельно продумана функціональна основа плану, правдивість зовнішнього вигляду споруди та велика емоційна виразність. У лекційному залі бібліотеки застосована спеціальна дерев'яна акустична стеля криволінійного обрису, що надала інтер'єру своєрідності та нової для тих років форми.

Заслугою Аалто у цьому та інших споруд було те, що, сприймаючи раціоналістичну основу конструктивізму і використовуючи її на фінському грунті, він від початку виступив проти її обмеженості і розпочав розробці естетичних принципів нового напрями, до пошуків його художньої мови. Аалто зазначав, що «технічний функціоналізм може бути єдиним в архітектурі» і що з найважливіших завдань сучасного зодчества «є вирішення психологічних проблем». Серед інших значних творів А. Аалто слід згадати фінський павільйон на Міжнародній виставці в Нью-Йорку, віллу Майреа в Ноормарку, деревообробну фабрику в Сунілі (1936-1939). У останньої роботи, Аалто виступає також як містобудівник: він створює не тільки комплекс промислових об'єктів, а й житлове селище для робітників, що продовжує кращі традиції фінського зодчества-облік і дбайливе використання природного оточення.

Нові риси в архітектурі громадських споруд вносить Ерік Брюгман (1891–1955). Він першим у Скандинавських країнах широко розкриває інтер'єр за допомогою скляного вітража в навколишній простір (каплиця в Турку, 1938-1941), прагнучи створити новий художній ефект та нову єдність архітектури та природи.

Великою спорудою цього періоду з'явився також Олімпійський комплекс в Гельсінкі, що включає чудовий стадіон (1934-1952, архітектори Ір'є Ліндгрен і Тойво Янтті) і Олімпійське містечко (архітектори X. Еклунд і М. Велікангас), що став першим містом.

Після Другої світової війни економіка Фінляндії швидко стабілізувалася завдяки розширюваним торговим зв'язкам з Радянським Союзом, і фінські архітектори отримали можливість приступити до здійснення ряду містобудівних ідей, що раніше лише намічалися, і до масового будівництва. Найбільшою і значною їхньою роботою, що набула великого резонансу, стало будівництво міста-саду Тапіола за 9 км від Гельсінкі ( Автори Тапіоли: архітектори О, Мейєрман та І. Сільтавуорі (генеральний план), А. Бломстед, В. Ревелл, М. Тавіо, А. Ерві, К. та X. Сірен, Т. Ніронен та інші. Будівництво ведеться спеціально створеним житловим кооперативом із 1952 р.). Під час будівництва Тапіоли архітектори прагнули подолати відрив людини від природи, характерний для великих капіталістичних міст. Місто на 15 тисяч жителів побудоване серед природної зелені на пересіченому рельєфі з виходами материкової гранітної основи та займає територію понад 230 га. Особлива увага приділяється охороні живої природи та мальовничих, майже не зворушених рукою людини краєвидів. Характерно, що житлова забудова займає лише 25 відсотків землі, тоді як вільні зелені простори – 75 відсотків. Фактично тут не зелені насадження вкраплені в міську забудову, а будинки - в природний масив лісу, застосовуючись у своєму прихильності до існуючих груп дерев, рельєфу, виступів скель та умов сонячного освітлення. До необхідного мінімуму зведено мережу асфальтованих доріг, прокладених мальовничими стрічками з перепадів природної поверхні землі.

Центр Тапіоли (1954-1962, архітектор Аарне Ерві) характерний для нових ідей побудови міського ансамблю. У ньому добре організовано вільний і водночас чітко диференційований простір, створено динамічні контрасти архітектурних вертикалей та розпластаних, горизонтальних обсягів, відокремлено пішохідні та транспортні шляхи. Суспільний початок тут поєднується з деякою інтимністю, регулярні мотиви - з мальовничістю (так, наприклад, чітка геометричність замощеної плитами площі біля торгових будівель пожвавлюється групами дерев, збережених на тих місцях, де вони росли на волі, до початку будівництва). У структурі житлових комплексів Тапіоли враховані потреби різних груп населення: за віковим складом та сімейним станом. Поряд із цим (і це характерно для всієї практики капіталістичного містобудування) тут проведено диференціацію забудови із соціального стану та матеріальної забезпеченості громадян. Відповідно до цього використані різноманітні типи будівель - від 8-11-поверхових баштових будинків до 1-2-поверхових зблокованих котеджів.

У Тапіолі розроблено низку цікавих нових типів громадських споруд, наприклад школа павільйонного типу, збудована за проектом архітекторів Кайя та Хейкі Сірен. Своєрідна за своєю архітектурою забудова вулиці Меннін-Кяйсентія, здійснена архітектором А. Бломстедом. Вулиця проходить біля підніжжя гранітного масиву, де розташована група багатоповерхових будинків. З іншого боку збудовано ланцюжок зблокованих будинків, звернених у бік лісу та озер. Ритм чергуються, простих за своїми геометричними формами одно- і двоповерхових об'ємів, що витягнулися на межі між галявиною і лісом, контрасти світлих гладких стін і скляних вікон-вітражів, різноманітність у фарбуванні Будинків, свічки сосен, між якими прокладена непочка будівель,- різноманітну, винятково виразну та мальовничу архітектурно-просторову композицію.

Мал. на стор 319

Слід зазначити, що крім Тапіоли в післявоєнній Фінляндії побудовано низку інших житлових районів і комплексів, що заслуговують на увагу.

Помітних успіхів архітектори Фінляндії досягли й у спорудженні громадських та адміністративних будівель. Для робочих організацій А. Аалто побудував у 1958 р. Будинок культури в Гельсінкі, в якому використовував вільне поєднання об'ємів, що органічно розвиваються, і криволінійних цегляних площин. Асиметрично розташований амфітеатр відрізняється не тільки свіжістю форм, а й чудовою акустикою, що робить його одним із найкращих у Європі залів цього типу. Тому ж автору належить чудова будівля установ соціального страхування в Гельсінкі (1952), в якому архітектор прагнув подолати казенний дух подібних будівель, комплекс споруд муніципальної ради в Сяюнятеало (1956), по суті, що є центром мікрорайону і включає будівля фірми «Раутатало», фанерована міддю та бронзою. Слід зазначити, що фінські архітектори широко застосовують оздоблення фасадів листовим та профільованим металом (мідь, бронза, анодований та простий алюміній), що надає їх спорудам своєрідної виразності.

Одним з найбільших навчальних закладів, збудованим після війни, є Робочий інститут у Турку (1958, архітектор А. Ерві), в якому архітектор використовував контрасти вільно організованого навколишнього простору та чіткий геометризм будівель, згрупованих навколо замощеного плитами двору з прямокутним басейном та скульптурною групою. У школах та інших навчальних будівлях фінські архітектори широко використовують універсальні зали та аудиторії, застосовуючи системи розсувних перегородок, лав амфітеатру, що механічно забираються, створюючи можливість по-різному варіювати характер внутрішнього простору, місткість приміщень тощо.

Мал. на стор. 321.

Повсюдно основними рисами сучасної фінської архітектури залишається простота і доцільність, велика емоційна виразність, тактовне використання кольору, застосування поряд з новими матеріалами, що ефектно подаються (метал, пластики, емалі, етерніти і т. п.) природних і традиційних у Фінляндії місцевих матеріалів ( граніт) і - найголовніше - вміння органічно вписатися в природне оточення, використовувати всі можливості, які підказує архітектору мікрорельєф, велика кількість озер, порізаність берегів, мальовнича і незаймана природа лісового краю. Ця остання особливість наочно простежується не тільки в житлових і громадських, а й у більшості промислових споруд, які, подібно до електростанції на річці Оулун-Йокі (1949, архітектор А. Ерві), природно виростають з гранітної скелястої основи в оточенні струнких і трохи похмурих сосен. .

Слід зазначити, проте, що обмежений розмах будівництва мало забезпечував необхідної економічної бази для індустріального, типізованого масового будівельного виробництва. Основні споруди виконуються за індивідуальними проектами. Тільки збірні дерев'яні одноповерхові будинки, призначені переважно для сільської місцевості, виготовляються індустріальними методами на спеціальних домобудівних заводах.

Дуже стримано використовують фінські архітектори синтез мистецтв, обмежуючись, як правило, лише забарвленням будинків, яке виконується з великою майстерністю. У міських архітектурних ансамблях зустрічається декоративна та меморіальна скульптура, з великим почуттям такту застосовуються елементи декоративно-ужиткового мистецтва та малі архітектурні форми.

Постійна експозиція музею Атенеумзаймає третій поверх будівлі (там само влаштовуються невеликі тематичні експозиції), а на другому поверсі проходять тимчасові виставки (план залів). У цій нотатці ми розповімо про деякі найцікавіші та найвідоміші картини та скульптури в колекції Атенеума, а також про їх авторів: знаменитих фінських художників та скульпторів. Детальніше про історію музею Атенеум та архітектуру музейної будівліможна прочитати. Там же наводиться корисна інформація про вартості квитків, годинах роботита порядок відвідування музею Атенеум. Увага: далеко не завжди в музеї одночасно можна побачити усі знамениті твори.

Роботи фінських скульпторів

Почнемо нашу прогулянку музеєм Атенеум прямо від входу.

У вестибюлі нас зустрічає мармурова група Аполлон та Марсій» (1874) роботи знаменитого фінського скульптора Вальтера Рунеберга (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), автора пам'ятників Юхану Рунебергу та імператору Олександру II у Гельсінкі. Батько скульптора, поет Юхан Рунеберг, представник національно-романтичного спрямування в літературі, впроваджував у фінську культуру ідеали грецької та римської цивілізації, у тому числі цінність хоробрості та відданості. Його син продовжив висловлювати ці ідеали, але вже засобами скульптури. У 1858-62 рр. Вальтер Рунеберг навчався у Копенгагені в Академії мистецтв під керівництвом датського скульптора Германа Вільгельма Біссена, учня знаменитого Торвальдсена – всесвітньо визнаного майстра неокласичної скульптури. У 1862-1876 р.р. Рунеберг працював у Римі, продовжуючи вивчати класичну спадщину.

У цій скульптурній групі Рунеберг зобразив бога світла Аполлона, що перемагає своїм мистецтвом сатира Марсія, що втілює темряву та приземленість. Фігура Аполлона виконана на кшталт античних ідеалів, тоді як цьому образу явно протиставляється барочно-дикуватий пастух Марсій. Композиція спочатку призначалася для прикраси нового Студентського будинку Гельсінкі і була замовлена ​​жіночим суспільством, але потім пані, мабуть, вирішили, що в скульптурі Рунеберга забагато оголеної натури. Так чи інакше, в результаті твір подарували Художньому товариству Фінляндії - так воно і опинилося в колекції музею Атенеум.

При вході в основні виставкові залиАтенеуму на третьому поверсі можна побачити ще кілька цікавих робіт фінських скульпторів. Особливо привабливо виглядають мармурові та бронзові скульптури, витончені статуетки та вази роботи Вілле Валлгрена (Ville Vallgren) (1855–1940).Вілле Валлгренбув одним із перших фінських скульпторів, які вирішили після здобуття базової освіти у Фінляндії продовжувати навчання не в Копенгагені, а в Парижі. На його вибір вплинув відомий художник Альберт Едельфельт, теж уродженець міста Порвоо. Едельфельт допомагав імпульсивному земляку і в інших життєвих та професійних питаннях: наприклад, саме з його допомогою Валлгрен отримав замовлення на виконання знаменитого фонтану "Хавіс Аманда" (1908) на бульварі Еспланада в .

Вілле Валлгрен, який прожив у Франції майже 40 років, найбільш відомий своїми чуттєвими жіночими постатями у стилі ар-нуво. Однак на ранньому етапітворчості він часто зображував юнаків і дотримувався більш класичного стилю (прикладами можуть бути поетичні мармурові скульптури Відлуння»(1887) та « Хлопчик грає з крабом»(1884), в яких Валлгрен поєднує людських персонажів та світ природи).

У наприкінці XIXстоліття Вілле Валлгрен набув всесвітньої популярності як чудового майстра декоративних статуеток, а також ваз, похоронних урн і слізниць, прикрашених фігурами скорботних дівчат-плакальниць. Але з не меншою переконливістю бонвіван Валлгрен зображував і радості життя, у тому числі кокетливих і спокусливих жінок, таких як Хавіс Аманда. Крім вищезгаданої скульптури «Хлопчик, який грає з крабом» (1884), на третьому поверсі музею Атенеум можна побачити бронзові твори Вілле Валлгрена: «Слізниця» (1894), «Весна (Відродження)» (1895), «Двоє молодих людей» (1893) та ваза (бл. 1894). Ці витончені роботи з ідеально опрацьованими деталями невеликі за розміром, але справляють сильне емоційне враження та запам'ятовуються своєю красою.

Вілле Валлгрен пройшов тривалий шлях до кар'єри скульптора, але одного разу знайшовши свій напрямок і заручившись підтримкою професіоналів, став одним із найшанованіших і всесвітньо визнаних художників в історії фінського мистецтва. Наприклад, він був єдиним фіном, який отримав за свою творчість медаль «гран-прі» на Всесвітній виставці в Парижі (це сталося 1900 року). Вперше Валлгрен привернув увагу колег і критиків під час Всесвітньої виставки 1889 року, де було представлено його рельєф «Христос». У черговий разфінський скульптор змусив говорити під час символістських паризьких салонів Rose + Croixу 1892 та 1893 роках. Дружиною Валлгрена була шведська художниця і скульптор Антуанетта Рострем ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Золоте століття фінського мистецтва: Альберт Едельфельт, Акселі Галлен-Каллела, Ееро Ярнефельт, Пекка Халонен

В одному з найбільших залів на третьому поверсі музею Атенеумпредставлені класичні картини, в тому числі роботи друга Вілле Валлгрена. Альберта Едельфельта (Albert Edelfelt) (1854-1905), найбільш широко відомого у світі фінського художника.

Увагу глядачів обов'язково привертає казкова картина. Королева Бланка»(1877) – одна з найпопулярніших і улюблених картин у Фінляндії, справжній гімн материнству. Друковані репродукції цієї картини та вишивки з її зображенням можна зустріти у тисячах будинків по всій країні. Джерелом натхнення для Едельфельта стала розповідь Захаріаса Топеліуса «Дев'ять срібників» ( De nio silverpenningarna), в якому середньовічна королева Швеції та Норвегії Бланка Намюрська розважає пісеньками свого сина - принца Хакона Магнуссона, майбутнього чоловіка Маргарити I Данської. Результатом цього шлюбу, організованого саме королевою Бланкою, Став союз Швеції, Норвегії та Данії - Кальмарська унія (1397-1453). Про всі ці майбутні події і співає миловидна Бланка своєму маленькому синові.

В епоху створення цього полотна історичний живопис вважався найбільш благородним видом мистецтва і був затребуваний освіченими верствами фінського суспільства, оскільки національна ідентичність у той період лише починала формуватися. Альберту Едельфельту було лише 22 роки, коли він вирішив створити картину на тему середньовічної скандинавської історії, і "Королева Бланка" стала його першою серйозною роботою. Художник прагнув виправдати очікування свого народу і втілити історичну сцену максимально жваво і достовірно (під час написання картини Едельфельт жив у тісній мансарді в Парижі та на вимогу свого вчителя Жана-Леона Жерома вивчав костюми того періоду, читав книги про середньовічну архітектуру та меблі музей Клюні). Подивіться, з якою майстерністю виписані сяючий шовк сукні королеви, ведмежа шкура на підлозі та багато інших деталей (ведмежу шкуру художник спеціально брав напрокат в універмазі). Але головним у картині, принаймні для сучасного глядача (та й для самого Едельфельта, який найбільше на світі любив свою матір), залишається її теплий емоційний зміст: обличчя матері та жести дитини, які виражають любов, радість та близькість.

Як модель для королеви Бланки послужила гарна 18-річна парижанка, а для принца позував гарненький італійський хлопчик. Картина «Королева Бланка»була вперше представлена ​​публіці в 1877 на Паризькому салоні, мала великий успіх і була розтиражована за французькими художніми виданнями. Потім її показали у Фінляндії, після чого полотно було продано Авроре Карамзіної. Згодом картина опинилась у колекції магната Ялмара Ліндера, який подарував її музею Атенеум 1920 року.

Іншим прикладом ранньої творчості Альберта Едельфельтау музеї Атенеум служить сумна картина « Похорон дитини»(«Перевезення труни») (1879). Ми вже казали, що у молодості Едельфельт збирався стати історичним живописцем; до цього він готував себе під час навчання в Антверпені, а згодом і в Парижі. Але до кінця 1870-х років його ідеали змінилися, він потоваришував із французьким художником Бастьєном-Лепажем і став проповідником пленерного живопису. Наступні роботи Едельфельтає вже реалістичним відображенням селянського побуту та живого життя рідної землі. Але картина «Похорон дитини» не просто відображає сцену повсякденного життя: вона передає одну з фундаментальних людських емоцій- Горе.

У той рік Едельфельт вперше побував на дачі, яку знімала його мати в маєтку Хайкко поблизу Порвоо (згодом художник приїжджав у ці гарні місця щоліта). Картина була повністю написана на пленері, для чого велике полотно довелося прикріпити до прибережних валунів, щоб воно не тремтіло на вітрі. "Не думав, що писати картини на відкритому повітрі так важко", - повідомляв Едельфельт одному з друзів. Едельфельт накидав обвітрені обличчя жителів архіпелагу Порвоо, не раз виїжджав з рибалками в море і навіть спеціально поставив у своїй майстерні розпиляний рибальський човен для точного відтворення деталей. Картина Едельфельта « Похорон дитини» була виставлена ​​на Паризькому салоні 1880 року та відзначена медаллю 3-го ступеня (вперше фінський художникудостоївся такої честі). Французькі критики відзначали різноманітні достоїнства картини, зокрема і те, що вона позбавлена ​​зайвої сентиментальності, але відбиває ту гідність, з якою персонажі приймають неминуче.

Зовсім іншим, сонячним і безтурботним настроєм перейнята картина Альберта Едельфельта « Люксембурзький сад»(1887). Коли Едельфельт писав це полотно, він був уже досить відомою фігурою в паризькій художньому світі. Зачарований паризькими парками з численними дітьми та няньками, що радіють гарній погоді, він вирішив сфотографувати цю красу. На той час художник вже жив у Парижі понад десять років, і навіть дивно, що ця картина - єдина його велика робота із зображенням паризького життя. Ймовірно, це пов'язано з жорсткою конкуренцією серед художників: у цьому середовищі було простіше виділитися, працюючи над «екзотичними» фінськими сюжетами. Картина «Люксембурзький сад» незвичайна ще й тим, що в ній Едельфельт використав багато прийомів імпресіонізму. У той же час, на відміну від імпресіоністів, він працював над цим полотном понад рік, причому як на пленері, так і в майстерні. Робота часто загальмовувалась з банальних причин: через погану погоду або запізнення моделей. Самокритичний Едельфельт неодноразово переробляв полотно, вносячи зміни аж до останнього моменту, коли твір уже настав час везти на виставку.

Картина була вперше показана на виставці в Galerie Petitу травні 1887 року. Самого Едельфельта результат не дуже задовольнив: на тлі колірних вибухів у картинах французьких імпресіоністів його полотно виглядало, як йому здалося, анемічним, рідким. Проте критиками та публікою роботу було прийнято добре. Згодом дана картинастала свого роду символом тісних зв'язків фінського мистецтва - і Едельфельта зокрема - з Парижем, який у ту епоху був епіцентром художнього всесвіту.

Картину « Жінки біля церкви в Руоколахті» (1887) Альберт Едельфельтнаписав у своїй літній майстерні в Хайкко – там він створив майже всі свої твори на тему народного життя. Хоча картина відбиває враження від поїздки до Східної Фінляндії, відомо, що моделями для картини були жінки з Хайко (збереглися фотографії, на яких вони позують Едельфельту в його студії). Як і інші великі композиції, ця створювалася не відразу, завжди робилися ретельні попередні начерки. Проте головною метою митця завжди залишалося досягнення спонтанного, живого ефекту «моментального знімку».

Поруч із роботами Альберта Едельфельта у музеї Атенеум можна побачити картини іншого представника золотого віку фінського мистецтва, Ееро Ярнефельта (Eero Järnefelt) (1863-1937). Після закінчення навчання у Фінляндії Ярнефельт поїхав до Санкт-Петербург, де навчався у Академії мистецтву свого дядька Михайла Клодта, зблизився з Рєпіним та Коровіним, а потім вирушив продовжувати освіту до Парижа. Незважаючи на закордонні впливи, у творчості Ярнефельта відбилися пошуки національної самобутності, прагнення підкреслити своєрідний характер рідної культури ( докладніше про творчість Ееро Ярнефельтачитайте ).

Ярнефельт найбільш відомий як портретист і автор величних пейзажів місцевості Колі та околиць озера Туусуланярві, де знаходилася його вілла-студія «Сувіранта» (по сусідству розташовувався будинок «Айнола», де жив композитор Сібеліус зі своєю дружиною сестрою Ярнефельта).

Але найважливішим і найвідомішим твором Ееро Ярнефельта, безумовно, є картина «Під ярмом» («Випалювання лісу»)(1893) (інші варіанти назви - « Спину гнучі для грошей», « Підневільна праця»). Сюжет полотна пов'язаний із старовинним методом землеробства, який полягає у випалюванні лісу для одержання орних земель (так зване підсічно-вогневе землеробство). Картина була створена влітку 1893 на фермі Rannan Puurulaу містечку Лапінлахті, в області Північний Саво. Того року мороз вдруге занапастив урожай. Ярнефельт працював на фермі однієї заможної сім'ї та спостерігав важкі умови життя та праці безземельних робітників, які отримували плату за свою роботу лише у випадку, якщо врожай був добрим. Паралельно Ярнефельт робив замальовки лісового пейзажу, що палав, вивчав поведінку вогню та диму, а також знімав на фотоплівку сільських жителів, які в результаті стали головними героями його картини.

Прямо на глядача дивиться лише один персонаж картини: це дівчинка, яка на якийсь час перервала роботу і дивиться на нас з виразом докору. Її живіт розпух від голоду, обличчя і одяг почорніли від кіптяви, а навколо її голови Ярнефельт зобразив дим, що нагадує німб. Художник написав цей образ із 14-річної дівчинки на ім'я Йоханна Кокконен ( Johanna Kokkonen), прислуги на фермі. Людина на передньому плані - Хейккі Пуурунен ( Heikki Puurunen), брат фермера, але в задньому плані зображений сам власник ферми.

Дивлячись на картину, можна буквально відчути жар вогню, почути приглушений шум полум'я та хрускіт гілок. Картина має кілька трактувань, але головним її змістом бачиться жорстка критика народу, що пригнічується. Дівчинка з картини стала узагальненим чином усіх бідних та голодних дітей, усіх знедолених людей Фінляндії. Полотно було вперше представлено публіці 1897 року.

Ціла велика зала в музеї Атенеумприсвячений творчості ще одного знаменитого представника золотого віку фінського образотворчого мистецтва Акселі Галлена-Калели (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Як і інші великі фінські художники того періоду, він навчався у . Особливу увагу паризькій публікі Галлен-Каллела удостоївся під час Всесвітньої виставки 1900 року, коли виконав за мотивами фінського епосу «Калевала» низку фресок для фінського павільйону.

Під час навчання у ПарижіГаллен-Каллела часто замальовував сценки, помічені їм на вулицях та в кафе. Приклад творчості цього періоду є картина «Оголена» («Без маски») (Démasquée ) (1888) - чи не єдине еротичне полотно у творчості Галлена-Калели. Відомо, що його було створено 23-річним художником на замовлення фінського колекціонера та благодійника Фрітьофа Антелля, який хотів поповнити свої збори сексуально відвертих картин. Однак коли Антелль побачив полотно, то відмовився його брати, мабуть, визнавши картину надто непристойною навіть для свого смаку.

На картині зображено оголену парижанку (мабуть, повію), яка сидить у майстерні художника на дивані, вкритому традиційним килимом фінським. Картина дає уявлення про богемний спосіб життя, але в той же час натякає на те, що його радості загрожують загибеллю, падінням. Художник зображує лілію, що символізує невинність, якій протиставляється підкреслено чуттєва модель і гітара, чия форма додатково посилює еротичне відчуття. Жінка виглядає одночасно спокусливою та лякаючою. Розп'яття, статуя Будди і старовинний фінський килим рюйю, зображені по сусідству із самовдоволеною жіночою плоттю, натякають на наругу святого. На столі на задньому плані усміхнувся череп - частий елемент у картинах жанру Ванітас, що нагадують глядачеві про тлінність земних задоволень і неминучість смерті. Полотно Démasquéeбуло вперше виставлено в музеї Атенеум 1893 року.

Безліч пізніших робіт Галлена-Калелиприсвячено «Калевале». При зображенні таких героїв фінського епосу, як Вяйнямейнен і Леммінкяйнен, художник застосовує особливий стиль, жорсткий і виразний, сповнений неповторних фарб і стилізованих орнаментів. З цього циклу варто відзначити приголомшливу картину. Мати Леммінкяйнена»(1897). Хоча картина є ілюстрацією до епосу, вона має більш глобальне, універсальне звучання і може вважатися своєрідною північною П'єтою. Ця пронизлива пісня материнського кохання - один із найприголомшливіших творів Галлена-Калели на тему « Калевали».

Мати Леммінкяйнена- веселого хлопця, спритного мисливця та спокусника жінок - знаходить свого сина біля чорної річки Смерті (річки Туонела), де він намагався підстрелити священного лебедя. Лебідь зображений у темній воді на задньому плані, а на кам'янистому березі розсипані черепи та кістки та проростають квіти смерті. У «Калевалі» розповідається, як мати прочісує довгими граблями воду, вигрібає всі шматочки та наново складає з них сина. За допомогою заклинань та мазей вона пожвавлює Леммінкяйнена. На картині зображено момент, що передує воскресенню. Здається, все пропало, але сонячні промені проникають у царство мертвих, даруючи надію, а бджола несе життєдайний божественний бальзам для воскресіння героя. Темні, приглушені кольори підсилюють відчуття нерухомості цього підземного світу, а інтенсивний криваво-червоний мох на камінні, мертвенно-бліда білизна рослин і шкіри Леммінкяйнена контрастують з божественно-золотистим кольором бджоли і променів, що проливаються з небес.

Для цієї картини художнику позувала його мати. Йому вдалося створити дуже реалістичний образ з живим, напруженим поглядом (це справжня емоція: Галлен-Каллела спеціально заговорив з матір'ю про щось сумне, викликавши її сльози). У той самий час картина відрізняється стилізацією, що дозволяє створити особливу міфічну атмосферу, відчуття те, що події відбуваються «з іншого боку» реальності. Для посилення емоційного впливу Галлен-Каллела використовував темпер замість олійних фарб. Потужну композицію допомагають створити спрощені форми, чіткі контури фігур та великі кольорові площини. Щоб краще передати похмурий настрій картини, митець облаштував у своєму будинку-студії в Руовесі абсолютно чорну кімнату, єдиним джерелом освітлення в якій був люк. Крім того, він сфотографував себе оголеним на підлозі і використовував ці знімки, коли писав фігуру Леммінкяйнена.

Зовсім в іншому, ідилічному та майже фривольному стилі витримано триптих Галлена-Калели. Легенда про Айно»(1891). Композиція присвячена сюжету з «Калевали» про юну дівчину Айно та старого мудреця Вяйнямейнене. Айно за рішенням батьків повинна була бути віддана заміж за Вяйнямейнена, але вона втікає від нього, воліючи втопитися. На лівій частині триптиха показана перша зустріч старого і дівчини, одягненої в традиційне карельське вбрання, в лісі, а на правій ми бачимо сумну Айно. Готуючись кинутися у воду, вона плаче на березі, слухаючи закликів морських дів, що грають у воді. Нарешті, центральне панно зображує фінал історії: Вяйнямейнен виїжджає на човні в море і рибачить. Спіймавши маленьку рибку, він не впізнає в ній дівчину, що потонула з його вини, і кидає рибу назад у воду. Але в цей момент риба перетворюється на Айно - русалку, яка сміється над старим, що втратив її, а потім зникає в хвилях назавжди.

На початку 1890-х років Галлен-Каллелабув прихильником натуралізму, і йому обов'язково були потрібні справжні моделі всім фігур і предметів на картині. Так, для образу Вяйнямейнена з його довгою красивою бородою художнику позував мешканець одного з карельських сіл. Крім того, художник засушував окунів, щоб досягти максимально точного зображення наляканої старим риби. Навіть срібний браслет, що блищить на руці Айно, існував насправді: Галлен-Каллела подарував цю прикрасу своїй молодій дружині Мері. Вона ж, мабуть, послужила моделлю для Айно. Краєвиди для триптиху були замальовані художником під час медового місяця у Карелії.

Композицію обрамляє дерев'яна рама з орнаментами та цитатами із «Калевали», написаними рукою самого Галлена-Калели. Цей триптих став відправною точкою руху національного романтизму у Фінляндії- фінського варіанта ар-нуво. Першу версію цієї картини художник виконав у Парижі 1888-89 гг. (Зараз вона належить Банку Фінляндії). Коли картину вперше представили в Гельсінкі, вона була зустрінута з великим ентузіазмом, і Сенат вирішив замовити новий варіант державним коштом. Така ідея виглядає цілком природно на хвилі руху феноманів, які ідеалізували та романтизували фінську націю. До того ж, мистецтво сприймалося як потужний засібвисловлювання фінських національних ідеалів. У цей час почалися експедиції художників до Карелії у пошуках «справжнього фінського стилю». Карелія бачилася єдиним незайманим краєм, де збереглися сліди «Калевали», і сам Галлен-Каллела сприймав цей епос як розповідь про минулі часи національної величі як образ втраченого раю.

Картина Галлена-Калели « Прокляття Куллерво»(1899) оповідає про ще одного героя «Калевали». Куллерво був юнаком надзвичайної сили, сиротою, який був відданий у рабство і відправлений у глуш пасти корів. Зла господиня, дружина коваля Ільмарінена, дала йому в дорогу хліб, у який був захований камінь. Спробувавши розрізати хліб, Куллерво зламав ножа, єдину пам'ять про батька. Розлючений, він збирає нове стадо з вовків, ведмедів та рисів, які роздирають господиню. Куллерво біжить із рабства і повертається додому, дізнавшись, що його рідні живі. Однак на цьому пригоди Куллерво не закінчуються. Нескінченна спіраль помсти знищує не тільки його новонабуту сім'ю, але і його самого. Спочатку він зустрічає та спокушає дівчину, яка виявляється його сестрою, і через цей гріховний зв'язок сестра кінчає життя самогубством. Незабаром помирають і всі його рідні. Тоді Куллерво вбиває себе, кинувшись на меч.

На картині Галлена-Калели представлений епізод, коли Куллерво ще служить пастухом (на задньому плані видно його череду, а попереду зображено хліб із запеченим каменем). Хлопець трясе кулаком і клянеться помститися своїм ворогам. Художник зобразив розлюченого героя на тлі сонячного пейзажу ранньої осені, але на задньому плані вже згущуються хмари, а налита червоним горобина служить застереженням, пророцтвом кровопролиття. У цій картині трагедія поєднується з красою карельської природи, а герой-месник може в якомусь сенсі розглядатися як символ фінського бойового духу та зростаючої національної самосвідомості. З іншого боку, перед нами портрет гніву та розчарування, безсилля людини, яка виховувалась у чужих людей, що винищили його сім'ю, в атмосфері насильства та помсти, і це наклало трагічний відбиток на його долю.

Докладніше про творчість Галлена-Калеличитайте.

Завершимо цей розділ розповіддю про творчість ще одного яскравого представника фінського національного романтизму в живописі, відомого художника фінського золотого віку - Пеккі Халонена. Пекка Халонен (Pekka Halonen) (1865-1933) набув популярності в 1890-х роках, показавши себе неперевершеним майстром зимових пейзажів. Одним із шедеврів цього жанру є картина « Молоді сосонки під снігом»(1899), яка вважається прикладом фінського японізмута ар-нуво у живописі. М'який пухнастий сніг, що покриває саджанці, граючи різними відтінками білого, створює мирну атмосферу лісової казки. Туманне повітря просочене холодною зимовою імлою, а пишні снігові пласти підкреслюють тендітну красу молодих сосен. Дерева взагалі були одним із улюблених мотивів у творчості Пекі Халонена. Протягом усього життя він із захопленням зображував дерева в різні пори року, причому особливо любив весну, але все ж таки найбільше прославився саме як майстер зимових пейзажів- деякі художники насмілювалися творити на морозі. Пекка Халонен не боявся зими і працював на відкритому повітрі в будь-яку погоду протягом усього життя. Прихильник роботи на пленері, він з презирством ставився до художників, які «дивляться світ через вікно». На картинах Халонена гілки тріскаються від морозу, дерева прогинаються під вагою снігових шапок, сонце відкидає на землю блакитні тіні, а лісові мешканці залишають сліди на м'якому білому килимі.

Зимові пейзажі стали своєрідним національним символом Фінляндії, і Пекка Халонен виконав дюжину полотен на тему фінської природи та народного побуту для павільйону Фінляндії на Всесвітній виставці в Парижі 1900 року. До цього циклу відноситься, наприклад, картина Біля ополонки»(«Прання на льоду») (1900). Інтерес до зображення «північної екзотики» прокинувся у Халонена, коли він навчався біля Поля Гогена в Парижі 1894 року.

Як правило, художники золотого віку фінського живописупоходили із міського середнього класу. Інша справа - Пекка Халонен, який був вихідцем із сім'ї освічених селян та ремісників. Він народився в Лапінлахті (Східна Фінляндія) і досить рано зацікавився мистецтвом - причому не тільки живописом, а й музикою (мати художника була обдарованою виконавицею на кантелі; вона ж прищепила синові дбайливе ставлення і любов до природи, і пізніше ця любов перетворилася майже на релігію ). Вчитися живопису юнак почав трохи пізніше за своїх ровесників, але після чотирирічного навчання в школі малювання Художнього товариства Фінляндії і відмінного її закінчення Халонен зміг отримати стипендію, що дозволила йому вирушити на навчання - художню Мекку того часу. Спочатку він займався в Академії Жюліана, а потім, у 1894 році, почав брати приватні уроки у Поля Гогенаразом зі своїм другом Вяйно Блумстедом. У цей час Халонен познайомився із символізмом, синтетизмом і навіть теософією. Знайомство з новітніми художніми течіями, втім, не призвело його до відмови від реалістичної манери, та й яскраву палітру Гогена не запозичив, проте під впливом Гогена Халонен став глибоким знавцем японського мистецтва і почав збирати копії японських гравюр.

Наприклад, у його роботах часто фігурує вигнута сосна – популярний мотив у японському мистецтві. Крім того, у багатьох картинах Халонен приділяє особливу увагу деталям, декоративному візерунку гілок або особливому малюнку снігу, та й сама тема зимових пейзажів – не рідкість у японському мистецтві. Також для Халонена характерна перевага вертикальних вузьких полотен типу «какемоно», асиметричних композицій, великих планів та незвичайних ракурсів. На відміну багатьох інших пейзажистів, він писав не типові панорамні види зверху; його пейзажі написані глибоко у лісі, близько до природи, де дерева буквально обступають глядача, запрошуючи його у свій мовчазний світ. Саме Гоген надихнув Халонена до відкриття свого власного стилю у зображенні природи і закликав шукати свої теми в національному корінні. Як і Гоген, Халонен прагнув знайти за допомогою свого мистецтва щось первинне, первісне, але тільки якщо француз шукав свій ідеал на тихоокеанських островах, то фінський художник прагнув відродити «втрачений рай» фінського народу в незайманих лісах, священних нетрях, описаних у «Калевалі» .

Творчість Пеккі Халонена завжди відрізняли пошуки миру та гармонії. Художник вважав, що «мистецтво не повинно дратувати нерви, як наждачний папір, - воно має створювати відчуття світу». Навіть зображуючи селянську працю, Халонен вимагав спокійних, врівноважених композицій. Так, у роботі « Піонери у Карелії» (« Прокладка дороги в Карелії») (1900) він представив фінських селян як незалежних, розумних працівників, яким не потрібно докладати надмірних зусиль для виконання роботи. Крім того, художник наголошував, що прагнув до створення загального декоративного враження. Це була його відповідь сучасникам, які критикували нереалістичний «безтурботний недільний настрій» картини та дивувалися надто чистому одязі працівників, малій кількості стружок на землі та дивній появі човна посеред лісу. Але у художника був зовсім інший задум. Пекка Халонен хотів створити не картину важкої виснажливої ​​роботи, а передати спокійний розмірений ритм селянської праці.

Великий вплив на Халонена також здійснили поїздки до Італії (1896-97 і 1904 р.), у тому числі шедеври раннього Ренесансу, які він побачив у Флоренції. Згодом Пекка Халонен зі своєю дружиною і дітьми (всього у пари народилося вісім дітей) переїжджає до озера Туусула, тихі мальовничі околиці якого служили невичерпним джерелом натхнення і плідної роботи далеко від Гельсінкі, «джерела всього прозаїчного і потворного». Тут, катаючись на лижах по озеру, художник доглянув місце для свого майбутнього будинку, і в 1899 пара купила ділянку на березі, де через кілька років виріс будинок-студія Пеккі Халонена - вілла, названа ним Халосіннямі (Halosenniemi) (1902). Ця затишна дерев'яна оселя в національно-романтичному дусі була спроектована самим художником. Сьогодні в будинку розміщується музей Пеккі Халонена.

Фінські символісти

Один із найцікавіших розділів у колекції музею Атенеум – неповторні роботи Хуго Сімберга та інших фінських символістів.

В окремій залі музею Атенеум виставлено найвідомішу картину « Поранений ангел»(1903) фінського художника Хуго Сімберга. На цьому меланхолійному полотні зображено дивну процесію: двоє похмурих хлопчиків несуть на ношах одягнену в білу дівчинку-ангела із зав'язаними очима та пораненим крилом. Фоном картини служить оголений пейзаж ранньої весни. У руці в ангела букетик пролісків, перших кольорів весни, символів зцілення та нового життя . Ходу очолює одягнений у чорне хлопчик, що нагадує трунаря (ймовірно, це символ Смерті). Погляд іншого хлопчика звернений до нас, проникаючи прямо в душу глядача і нагадуючи про те, що теми життя та смерті стосуються кожного з нас. Загиблий ангел, вигнання з раю, роздуми про смерть - всі ці теми особливо хвилювали художників. символістів. Сам художник відмовлявся пропонувати якісь готові інтерпретації картини, надаючи глядачеві робити висновки.

Хуго Сімберг працював над цією картиною тривалий час: перші нариси зустрічаються у його альбомах з 1898 року. Деякі ескізи та фотографії відображають окремі фрагменти композиції. Іноді ангела везуть на тачці, іноді у вигляді носіїв представлені не хлопчики, а маленькі дияволята, у той же час центральною завжди залишається фігура ангела, а задній план – реальним краєвидом. Процес роботи над картиною було перервано, коли Сімберг серйозно захворів: художник з осені 1902 до весни 1903 року лікувався в лікарні Інституту дияконіс у Гельсінкі ( Helsingin Diakonissalaitos) у районі Калліо . Він мав тяжке нервове захворювання, що посилювалося сифілісом (від якого художник згодом і помер).

Відомо, що Сімберг фотографував своїх моделей (дітей) у майстерні та в парку Елейнтарха, що знаходиться поруч із вищезгаданою лікарнею. Зображена на картині стежка існує і сьогодні - вона пролягає біля берега затоки Тьоленлахті. За часів Сімберга парк Елейнтарх був популярним місцем відпочинку представників робітничого класу. Крім того, там розташовувалося безліч благодійних установ, у тому числі жіноча школа для сліпих та притулок для інвалідів. Сімберг неодноразово спостерігав за мешканцями парку, коли гуляв там навесні 1903 року, вирушаючи від тяжкої хвороби. Очевидно, під час цих довгих прогулянок ідея картини оформилася остаточно. Крім філософських інтерпретацій картини «Поранений ангел» (символу вигнання з раю, хворої на людську душу, безпорадності людини, розбитої мрії), деякі бачать у ній уособлення хворобливого стану художника і навіть конкретних фізичних симптомів (за деякими відомостями, Сімбергіт також страждав).

Картина Сімберга « Поранений ангел» мала великий успіх відразу після її завершення. Презентація відбулася на осінній виставці Художнього товариства Фінляндії у 1903 році. Спочатку полотно було виставлене без назви (точніше, замість назви стояв прочерк), що натякало на неможливість будь-якої інтерпретації. За цю глибоко індивідуальну та емоційну роботу митець у 1904 році був нагороджений державною премією. Другий варіант «Пораненого ангела» був виконаний Сімбергом при оздобленні фресками інтер'єру кафедрального собору Тампере, де він працював спільно з Магнусом Енкелем.

Згідно з проведеним у Фінляндії у 2006 році опитуванням, « Поранений ангел» був визнаний самим популярним творому колекції Атенеума, найулюбленішої «національної картини» Фінляндії, художнім символом країни.

Хуго Сімберг (Hugo Simberg) (1873-1917) народився у місті Хаміна, потім жив і навчався у , а потім у , де відвідував школу Художнього товариства Фінляндії. Літо він часто проводив у сімейній садибі в Нієменлаутті (Сяккіярві) на березі Фінської затоки. Сімберг багато подорожував Європою, побував у Лондоні та Парижі, відвідав Італію, Кавказ. Важливий етап його становлення як художника припав на період, коли Сімберг, розчарувавшись у стереотипній академічній освіті, почав брати приватні уроки у Акселі Галлена-Калели в глухій місцевості в Руовесі, де Галлен-Каллела побудував свій будинок-майстерню. Галлен-Каллела високо цінував талант свого учня і віщував йому велике майбутнє у світі мистецтва, порівнюючи роботи Сімберга з правдивими та пристрасними проповідями, які варто почути кожному. Сімберг тричі приїжджав до Руовесі в період з 1895 по 1897 рік. Тут, в атмосфері художньої свободи, він швидко знайшов свою власну мову. Наприклад, першої осені перебування в Руовесі він написав відому роботу « Мороз»(1895), що частково нагадує «Крік» Мунка. В даному випадку погодне явище, страх фермерів всього світу, отримало зриме втілення, обличчя і форму: це смертельно-бліда фігура з великими вухами, що сидить на вершині снопа і отруює все навколо своїм смертоносним диханням. На відміну від «Крика» Мунка, закінченого кількома роками раніше, «Мороз» Сімберга викликає не сповнений жах і розпач, а дивне почуття загрози та жалю водночас.

Важливим моментом у житті Сімберга стала осіння виставка 1898 року, після якої його було прийнято до Спілки художників Фінляндії. Сімберг багато подорожував Європою, викладав, брав участь у виставках. Проте по-справжньому масштаб обдарування художника оцінили лише після його смерті. Зосередженість на моторошному та надприродному знаходила розуміння далеко не у всіх критиків та глядачів того часу.

Хуго Сімбергбув одним із найбільших фінських символістів. Його приваблювали не банальні повсякденні ситуації - навпаки, він зображував те, що відчиняло двері в іншу реальність, торкалося розуму і душі глядача. Він розумів мистецтво «як можливість перенести людину посеред зими в чудовий літній ранок і відчути, як прокидається природа і ти сам перебуваєш з нею в злагоді. Саме цього я шукаю у творі мистецтва. Воно має про щось говорити і говорити голосно, так, щоб ми неслися в інший світ».

Сімберг особливо любив зображати те, що можна побачити лише в уяві: ангелів, чортів, тролів та образи самої Смерті. Однак навіть цим образам він надавав м'якість та людяність. Смерть у Сімберга нерідко доброзичлива і сповнена співчуття, виконує свої обов'язки без ентузіазму. Ось вона прийшла з трьома білими квітами, щоби забрати стару. Однак Смерть не поспішає, вона може собі дозволити послухати, як хлопчик грає на скрипці. Лише годинник на стіні відзначає хід часу (« Смерть слухає», 1897).

В роботі " Сад смерті»(1896), створеної під час першої навчальної поїздки до Парижа, Сімберг, як він сам говорив, зобразив місце, куди потрапляє людська душа відразу після смерті, перед тим як вирушити до раю. Три скелети в чорному одязі трепетно ​​дбають про душі-рослини з такою любов'ю, як ченці доглядають монастирський сад. Ця робота мала для художника велике значення. Майже через десять років Сімберг повторив її у вигляді великої фрески в кафедральному соборі Тампере. Дивна чарівність цього твору криється в милих побутових деталях (лійка, що звисає з гачка рушник), мирній атмосфері та лагідному образі самої Смерті, яка виступає не силою руйнування, а втіленням турботи. Цікаво, що у Ганса Крістіана Андерсена в казці «Історія однієї матері» ми теж знаходимо схожий образ: казкар описує величезну теплицю Смерті – оранжерею, де за кожною квіткою чи деревом «закріплена» людська душа. Смерть називає себе садівником Бога: «Я беру його квіти та дерева і пересаджую їх у великий райський сад, у невідому країну».

Вперше образ Смертіз'явився у Сімберга у роботі « Смерть та селянин»(1895). Коротка чорна накидка і короткі штани надають Смерті незлобивого, похмурого вигляду. Ця робота була виконана Сімбергом у Руовесі, під час навчання у Акселі Галлена-Калели. У тому році навесні померла від дифтерії молодша дочка вчителя, і «Смерть і селянин» може розглядатися як вираження співчуття до людини, яка втратила дитину.

Як і чорти, ангели у Хуго Сімберга олюднені і тому вразливі. Вони намагаються направити людей на дорогу добра, проте реальність буває далекою від ідеалів. Робота « Сон»(1900) викликає у глядача питання. Чому жінка плаче, тоді ангел танцює з її чоловіком? Можливо, чоловік уникає дружини в інший світ? Іншою назвою даної роботи було каяття, так що інтерпретувати її можна по-різному.

Образи ангелів вперше з'явилися у творчості Сімберга восени 1895 року (робота « Набожність»). У цьому пустотливому творі ангел-дівчина, що молиться, не помічає, що у сусіднього ангела в голові зовсім інше. І справді, крила цього другого ангела далеко не такі білі. В наявності боротьба чуттєвості та духовності.

Набережна біля Нієменлаутта, де Сімберг майже завжди проводив літній час у сімейній садибі, була популярним місцем зустрічі молоді в літні вечори. Залучені звуками акордеона, юнаки та дівчата вирушали сюди на танці на човні навіть здалеку. Сімберг неодноразово робив замальовки танців. Але в роботі Танець на набережній» (1899) дівчата танцюють не з хлопцями, а з фігурами Смерті, що так часто зустрічаються у Сімберга. Може, Смерть цього разу прийшла не за страшним урожаєм, а просто хоче взяти участь у загальних веселостях? Тільки от акордеон чомусь не грає.

Як бачите, Хуго Сімберг- Вкрай самобутній художник, творчість якого не позбавлена ​​своєрідної іронії, але в той же час пронизана містикою і зосереджена на темах добра і зла, життя і смерті, характерних для мистецтва символістів. У творах Сімберга глибинні філософські питання переплітаються з м'яким гумором та глибоким співчуттям. «Бідолашний чорт», «лагідна Смерть», король домових - всі ці персонажі прийшли в його творчість із снів та казок. Жодних позолочених рам та блискучих полотен: «Тільки любов робить витвори мистецтва справжніми. Якщо родові сутички наступають без кохання, то дитина народиться нещасним».

Крім робіт Хуго Сімберга, у музеї Атенеум можна побачити роботи фінського художника-символіста Магнуса Енкеля (Magnus Enckell) (1870-1925), як і Сімберг, який працював над фресками для кафедрального собору Тампере (1907). Енкель народився в сім'ї священика в місті Хаміна, навчався живопису в , а в 1891 відправився в Париж, де продовжував освіту в Академії Жюліана. Там він захопився символізмом та містичними ідеями розенкрейцера Ж. Пеладана. В останнього Магнус Енкель перейняв андрогінний ідеал краси, який і став використовувати у своїх роботах. Енкеля зачаровувала ідея втраченого раю, втраченої чистоти людини, і зовсім ще юні хлопчики з їхньою андрогінною красою представляли для художника найчистішу форму людської істоти. Не варто також забувати, що Енкель був гомосексуалістом і часто писав оголених хлопчиків та чоловіків відверто еротичного, чуттєвого вигляду. У 1894-95 р.р. художник подорожував Італією і на початку XX століття, під впливом класичного італійського мистецтва, а також постімпресіонізму, його палітра стає набагато барвистішою і світлішою. У 1909 році він поряд з колористами Вернером Томе та Альфредом Фінчем засновує групу. Septem.

Раннє творчість Магнуса Енкеля, навпаки, відзначено приглушеною гамою, колірним аскетизмом. У той період палітра художника зводилася лише до відтінків сірого, чорного та охри. Прикладом може бути картина « Пробудження»(1894), написана Енкелем під час другого приїзду художника до . Полотно відрізняють колірний мінімалізм, спрощена композиція та підкреслена лінія малюнка – все це використовується, щоб наголосити на значущості зображеного. Хлопець, що досяг перехідного віку, прокинувся і сидить оголеним на ліжку, опустивши голову з серйозним виразом обличчя, занурившись у свої думки. Скривлене становище його тіла - не просто звичний жест підйому з ліжка; цей мотив, що часто зустрічається у художників-символістів, складніший. Пубертатний період і сексуальне пробудження/втрата невинності - ці теми залучали багатьох сучасників Енкеля (порівн., наприклад, тривожну картину Мунка «Достигання» (1894/95)). Чорно-біла гама підкреслює меланхолійний настрій зустрічі з гнітючим світом.

Ще одним фінським художником-символістом, хоч і не найвідомішим, є Вяйне Блумстедт (Бломстедт) (Väinö Blomstedt) (1871-1947). Блумстедт був художником і дизайнером з текстилю і був, зокрема, під впливом японського мистецтва. Навчався він спочатку у Фінляндії, а потім разом з Пеккою Халоненом у . Як ми вже знаємо, під час приїзду до Парижа ці фінські художники познайомилися з Гогеном, який нещодавно повернувся з Таїті, і почали брати у нього уроки. Імпульсивний Блумстедт миттєво підпав під вплив Гогена і його полотен, що дихають кольором. Пошуки втраченого раю у творчості Гогена були дуже близькі до Блумстедта. Тільки якщо Гоген шукав цей рай в екзотичних країнах, то Вяйне Блумстедт, як і багато фінських художників того часу, був націлений на пошуки витоків своєї батьківщини, незайманого краю «Калевали». Героями картин Блумстедта часто стають уявні чи міфологічні персонажі.

Після знайомства з Гогеном Блумстедт у середині 1899-х роках відмовився від реалістичного живопису та звернувся до символізмута яскравою багатобарвною синтетичноїпанелі. Відповідно до ідеології символізму, реалістичне мистецтво, засноване на візуальному спостереженні, надто обмежене і дозволяє вхопити найважливіше у людині, його емоційну і духовну сутність, таємницю самого життя. За повсякденною реальністю знаходиться інший світ, і мета символістів – висловити цей світ за допомогою мистецтва. Замість того, щоб намагатися створити тривимірну ілюзію реальності, художники-символісти вдавалися до стилізації, спрощення, декоративності, прагнули знайти щось чисте та поетичне. Звідси їх інтерес до раннього італійського Ренесансу, використання темпери та техніки фрески. Одним із яскравих прикладів символізму у творчості фінських художниківє картина Вяйне Блумстедта « Франческа»(1897), що занурює глядача у світ сну та забуття, статичну та повну магії атмосферу з п'янким запахом маку.

Джерелом натхнення для цієї картини послужила «Божественна комедія» Данте, в якій поет зустрічає в пеклі Франческу та Ріміні, і вона розповідає йому історію свого трагічного кохання до Паоло. Образ дівчини, що нагадує Мадонну, «ренесансний» пейзаж з темними кипарисами і напівпрозора колірна поверхня картини (крізь фарби виразно просвічує полотно) наводить на думку про старі фрески в італійських храмах. Крім того, через особливу техніку виконання картина частково нагадує потертий гобелен. Картина була написана Блумстедтом під час подорожі до Італії. У ній також вбачається вплив мистецтва прерафаелітів.

Жінки у мистецтві: фінські художниці

Музей Атенеумпримітний ще й тим, що помітну частину його колекції становлять твори художників-жінок, у тому числі всесвітньо відомих, таких як фінська художниця Хелена Шерфбек. У 2012 році в музеї Атенеум проходила велика виставка творів Хелени Шерфбек, присвячена 150-річчю від дня її народження. У музеї Атенеум зберігається найбільша та найповніша у світі колекція робіт Хелени Шерфбек (212 картин, малюнків, альбомів з ескізами).

Хелена Шерфбек (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) народилася в Гельсінкі, рано почала вчитися живопису і вже в юності досягла помітної майстерності. На життя Хелени наклала печатку тяжка травма стегна, що стала наслідком падіння зі сходів у дитинстві. Через це дівчинка здобула домашню освіту - до звичайної школи вона не ходила, зате у неї залишалося багато часу на малювання, і вона була прийнята до художньої школи в надзвичайно ранньому віці. (На жаль, травма стегна нагадувала про себе кульгавістю до кінця життя). Після навчання у Фінляндії, у тому числі в приватній академії Адольфа фон Беккера, Шерфбек здобула стипендію та поїхала до , де навчалася в Академії Колароссі. У 1881 та 1883-84 гг. вона також працювала в колоніях художників у Бретані. Хлопчик, який годує молодшу сестру»(1881), написану в цьому регіоні Франції, тепер навіть вважають початком фінського модернізму). У Бретані вона познайомилася з невідомим англійським художником і повінчалася з ним, однак у 1885 році наречений розірвав заручини (його сім'я вважала, що проблеми Хелени зі стегном пов'язані з туберкульозом, від якого помер її батько). Хелена Шерфбек так і ніколи і не вийшла заміж.

У 1890-х роках Шерфбек викладала у школі Художнього товариства, яку сама колись закінчила. У 1902 році через проблеми зі здоров'ям вона залишила викладання і переїхала разом з матір'ю до глухої провінції, в Хювінкяя. Потребуючи тиші, художниця вела затворницьке життя, але продовжувала брати участь у виставках. «Відкриття» Шерфбек для публіки відбулося в 1917 році: у художньому салоні Ëста Стенмана в Гельсінкі відбулася перша персональна виставка художниці, яка мала великий успіх у глядачів і критиків і порушила її відокремлене існування. Наступна велика виставка пройшла в Стокгольмі в 1937 році і отримала захоплені відгуки, а за нею була серія подібних виставок по всій Швеції. 1935 року, коли померла її мати, Хелена переїхала жити до Таммісаарі, а останні роки провела у Швеції, в санаторії в Сальтшебадені. У Фінляндії ставлення до творчості Шерфбек тривалий час було суперечливим (її талант визнали лише у другій половині ХХ століття), тоді як Швеції її мистецтво досить рано прийняли з великим ентузіазмом. Але справді широке міжнародне визнання прийшло до Шерфбека в 2007 році, коли масштабні ретроспективні виставки її робіт пройшли в Парижі, Гамбурзі та Гаазі.

Серед усіх картин Хелени Шерфбек у світі найбільш відомі численні самокритичні автопортрети, що дозволяють простежити як еволюцію її стилю, так і зміни в самій художниці, яка безжально фіксувала своє обличчя. Загалом Шерфбек написала близько 40 автопортретів, перший у 16-річному віці, останній – у 83 роки. Шість із них перебувають у зборах Атенеуму.

Але, мабуть, найвідомішою картиною Хелен Шерфбекє полотно « Одужаюча»(1888), часто зване перлиною музею Атенеум. Високо оцінена публікою, ця картина 26-річної художниці була нагороджена бронзовою медаллю на Всесвітній виставці в Парижі в 1889 році (там це полотно виставлялося під назвою «Перша зелень» ( Première verdure) – саме так спочатку назвала картину сама Шерфбек). Тема хворих дітей була поширена в мистецтві XIX століття, але Шерфбек зображує не просто хворіє, а дитину, що одужує. Цю картину вона написала у мальовничому прибережному містечку Сент-Айвс, у Корнуоллі, на південному заході Англії, куди художниця поїхала за порадою своєї австрійської подруги у 1887-1888 рр., а потім у 1889-1890 роках.

Цю роботу часто називають останнім зразком натуралістичного світлового живопису у творчості Шерфбек (згодом вона перейшла до стилізованого модернізму та майже абстрактного експресіонізму з аскетичною палітрою). Тут художниця майстерно працює зі світлом, притягуючи погляд глядача до обличчя дівчинки, що одужує, з скуйовдженим волоссям і гарячково-рум'яними щоками, яка тримає в руках кухоль з тендітною зацвітаючою гілочкою - символом весни і нового життя. На губах дитини грає посмішка, яка висловлює надію на одужання. Ця хвилююча картина чіпляє глядача, викликає у нього почуття співпереживання. Картину в якомусь сенсі можна назвати автопортретом художниці, яка в той період намагалася оговтатися після розриву заручин. Не виключено також, що на цій картині Шерфбек зобразила себе в дитинстві, розповівши нам про те, що відчувала сама, часто прикута до ліжка і радіючи першим ознакам весни.

Зверніть увагу, що в даний час найбільш відомі роботи Хелен Шерфбек знаходяться «на гастролях» у Швеції. Одна виставка проходить у Стокгольмі та триватиме до кінця лютого 2013 року, інша – у Гетеборзі (до серпня 2013 року).

Ще однією фінською художницею, з чиєю творчістю можна познайомитися в музеї Атенеум, є Біда Шерншанц (Штерншантц)(Beda Stjernschantz) (1867-1910). Між іншим, на 2014 рік у музеї намічено широкомасштабну виставку робіт цієї художниці. Біда Шерншанц була важливим представником покоління фінських художників-символістівмежі XIX і XX століть. Вона народилася в аристократичній родині у місті Порвоо. 1886 року помер її батько, і сім'я зіткнулася з матеріальними труднощами. На відміну від інших художників-жінок, Шерншанцу доводилося працювати, щоб мати засоби до існування. У 1891 році, одночасно з іншою відомою фінською художницею Еллен Теслефф, вона приїхала до Парижа, і дівчата разом записалися до Академії Колароссі. Наставником Біди став Магнус Енкель, під впливом якого вона ввібрала ідеї символізму. Представники цієї течії були переконані, що мистецтво не повинно робити копію натури, але має бути очищене заради краси, вираження тонких почуттів і переживань. Через брак грошей Шерншанц прожила в Парижі лише один рік. Повернувшись до Фінляндії, вона не могла знайти собі місця і в 1895 році вирушила на естонський острів Вормсі, де існувало давнє шведське поселення, яке зберегло свою мову, звичаї, одяг. Там художниця і написала картину. Скрізь нас кличе голос»(1895). Назва картини є цитатою з відомої на той час «Пісні Фінляндії» ( Suomen laulu), слова до якої написав поет Еміль Квантен. Як бачите, не тільки Карелія була місцем, куди фінські художники вирушали у пошуках первозданної природи та людей.

На цьому поетичному полотні художниця зобразила групу шведських дітей, яким вдалося зберегти свої національні традиціїі мова в чужому середовищі. Через це деякі критики бачили в картині патріотичний зміст, тим більше, що в композиції важливе місце займає інструмент кантелі, на якому грає одна з дівчаток. Інша дівчинка співає, і ці звуки наповнюють аскетичний краєвид із вітряками. Через цілком статичних, застиглих поз і порожнечі навколишнього пейзажу глядач ніби теж починає прислухатися до музики, що звучить у полотні. Складається враження, що навіть вітер затих, не ворухнеться ні листя, ні вітряки, ніби ми потрапили в зачароване царство, яке з часу випало місце. Якщо з символістської трактування картини, то благочестиві і зосереджені дитячі особи і натомість цього містичного пейзажу - спосіб передати стан невинності. Крім того, як і в багатьох інших роботах символістів, тут особлива роль відведена музиці, найбезтілеснішому і найблагороднішому мистецтву.

У 1897-98 pp. Біда Шерншанц, отримавши грант від фінського уряду, вирушила подорожувати Італією, але її творча активність після цього періоду зійшла нанівець. Хоча спадщина художниці невелика, вона приваблює інтерес дослідників, і в майбутньому очікується низка конференцій та публікацій, які дозволять більше дізнатися про значення її творчості у міжнародному контексті рубежу століть.

Ще одна цікава фінська художниця того ж періоду - Елін Даніельсон-Гамбоджі (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Елін Даніельсон-Гамбоджіналежала до першого фінського покоління жінок-художників, які здобули професійну освіту. Працювала вона в основному в жанрі реалістичного портрета, причому як у житті, так і в творчості відрізнялася від колег своєю емансипованістю та богемним способом життя. Вона критикувала становище жінок у суспільстві, носила штани та курила, вела антиконформістське життя та спілкувалася з багатьма художниками, включаючи норвезького скульптора Густава Вігеланда (1895 року у них був роман). Її картини із зображенням жінок у повсякденних ситуаціях багато критиків вважали вульгарними та непристойними.

« Автопортрет» Елін Даніельсон-Гамбоджі (1900) був написаний у період, коли художниця почала завойовувати визнання у Європі. Художниця зображена у своїй майстерні, з пензлем та палітрою в руці, а через фіранку перед вікном струмує світло, створюючи навколо її голови ореол. Великий формат полотна, поза та погляд художниці – все це виражає самостійну та впевнену в собі натуру. За цю картину Даніельсон-Гамбоджі була відзначена срібною медаллю у Флоренції у 1900 році.

Елін Даніельсон-Гамбоджі народилася у селі поблизу міста Порі. У 1871 році збанкрутувала їхня сімейна ферма, і через рік її батько наклав на себе руки. Незважаючи на це, матері вдалося відшукати кошти, щоб у 15-річному віці Елін переїхала і почала вчитися живопису. Дівчинка виросла у вільній атмосфері, поза строгими соціальними табу. У 1883 році Даніельсон-Гамбоджі поїхала в , де продовжила освіту в Академії Колароссі, а в літній період займалася живописом у Бретані. Потім художниця повернулася до Фінляндії, де спілкувалася з іншими живописцями та викладала у художніх школах, а у 1895 році отримала стипендію та вирушила до Флоренції. Через рік вона переїхала село Антіньяно і вийшла заміж за італійського художника Рафаелло Гамбоджі. Пара брала участь у численних виставках по всій Європі; їх роботи демонструвалися на Всесвітній виставці 1900 року у Парижі та Венеціанській бієнале 1899 року. Але на початку XX століття почалися сімейні негаразди та фінансові труднощі, зради та хвороба чоловіка. Елін Даніельсон-Гамбоджі померла від пневмонії та похована у Ліворно.

Зрештою, серед фінських художників-жінокне можна не назвати Еллен Теслефф (Ellen Thesleff) (1869-1954). Мало кому з фінських авторів випало таке раннє визнання. Вже у 1891 році юна Теслефф взяла участь у виставці Художнього товариства Фінляндії зі своєю чудовою роботою. Відлуння» ( Kaiku) (1891), отримавши високу оцінку критиків. На той час вона закінчила навчання в приватній академії Гуннара Берндтсона ( GunnarBerndtson) і збиралася у свою першу поїздку до , де дівчина вступила до Академії Колароссі разом з подругою Бідою Шерншанц . У Парижі вона познайомилася із символізмом, однак із самого початку обрала свій власний, незалежний шлях у мистецтві. У цей період вона почала створювати картини в аскетичній кольоровій гамі.

Найважливішим джерелом натхнення для Елени Теслефф стало італійське мистецтво. Вже 1894 року вона поїхала на батьківщину раннього Ренесансу, до Флоренції. Тут художниця побачила безліч прекрасних творів релігійного живопису, в тому числі роботи Боттічеллі, творчість якої вона захоплювалася ще в Луврі. Також Теслефф копіювала монастирські фрески. Вплив духовного італійського живопису посилив її потяг до поетичного, піднесеного мистецтва, і в наступні роки колірний аскетизм у її творчості отримав максимальний вираз. Типовими мотивами її творів стали суворі, виконані у темних тонах пейзажі та людські постаті, примарні та меланхолійні.

Прикладом робіт цього періоду може бути скромний за розміром Автопортрет» (1894-95) Еллен Теслефф, намальований простим олівцем. Цей створений у Флоренції автопортрет став результатом дворічної підготовки. Одухотворена особа, яка виступає з темряви, багато говорить нам про художницю та її ідеали на той час. У руслі філософії символізму, вона задавалася фундаментальними питаннями буття та вивчала людські почуття. У цьому автопортреті можна побачити сучасне втілення мистецтва Леонардо да Вінчі з його питаннями та загадками життя. У той же час картина дуже особиста: вона відображає скорботу Теслефф з приводу смерті її улюбленого батька, яка сталася на два роки раніше.

Теслефф росла в музичній сім'ї і з дитинства захоплювалася співом та музикуванням разом із сестрами. Одним із найчастіших мотивів у її творчості стала луна чи крик – найпримітивніша форма музики. Також вона часто зображала гру на скрипці - одному з найвищих і найскладніших. музичних інструментів. Наприклад, моделлю для картини Гра на скрипці»(«Скрипалька») (1896) виступила сестра художниці, Тіра Елізавета, яка нерідко їй позувала в 1890-х роках.

Композиція витримана у теплих напівпрозорих, перламутрово-опалових тонах. Скрипалька повернулася убік від глядача, зосередившись на грі. Тема музики, шанованої як духовне, божественне мистецтво, була однією з найпоширеніших у символізмі, проте художники рідко зображували музикантів-жінок.

Як і її друг Магнус Енккель, на ранньому етапі творчості Еллен Теслефф віддавала перевагу кольоровому аскетизму. Але потім її стиль змінився. Під впливом Кандинського та його мюнхенського гуртка художниця стала першим фовістом у Фінляндії, а 1912 року її запросили взяти участь у виставці фінського об'єднання. Septem, що боровся за яскраві чисті фарби.

Однак її участь не вийшла за межі виставки: у жодні групи Теслефф не вступала, вважаючи самотність нормальним станом сильної особистості. Відійшовши від колишньої сіро-коричневої гами, у більш зрілому віці Теслефф почала створювати барвисті та багатошарові кольорові фантазії. Вона неодноразово була з сестрою та матір'ю в Тоскані, де писала сонячні італійські пейзажі.

Заміж Теслефф так і не вийшла, зате відбулася як творча особистість. Художниця прожила довге життяі здобула визнання.

Зарубіжне мистецтво в Атенеумі

У колекції зарубіжного мистецтва музею Атенеум представлено понад 650 картин, скульптур та малюнків, створених такими відомими майстрами, як Сезанн, Ваг Гог, Шагал, Модільяні, Мунк, Рєпін, Роден, Цорн.

Із зарубіжної колекції музею Атенеумвиділимо картину Ван Гога «Вулиця в Овер-сюр-Уаз»(1890). Вінсент Ван Гог написав цю картину незадовго до смерті, у крихітному містечку Овер-сюр-Уаз ( Auvers-sur-Oise), розташованому в долині притоку Сени, приблизно за 30 км на північний захід від . Ван Гог, який страждав на напади психічної хвороби, відправився в Овер-сюр-Уаз за порадою свого брата Тео на лікування до доктора Поля Гаше. В Овер-сюр-Уаз знаходилася клініка цього лікаря - людини, небайдужої до мистецтва, знайомого з багатьма французькими художниками і стала також другом Ван Гога.

Містечко Овер-сюр-Уаз у результаті стало місцем смерті художника, який відчував себе тягарем для брата та його сім'ї. Ван Гог вистрілив у себе і потім помер від втрати крові. Художник прожив в Овер-сюр-Уаз останні 70 днів свого життя, виконавши за цей короткий період 74 картини, одна з яких тепер знаходиться в головному художньому музеї Гельсінкі. Можливо, картина залишена незакінченою (у деяких місцях проглядає ґрунтовка). Яскравість неба відтіняє спокійніший зелений тон землі і червонуватий відтінок черепичних дахів. Складається враження, що вся сцена перебуває в одухотвореному русі, пронизана неспокійною енергією.

Дуже цікава історія про те, як картина «Вулиця в Овер-сюр-Уаз» потрапила до музей Атенеум. Деякий час після смерті Ван Гога вона належала братові художника Тео, а потім його вдові, у якої полотно купив Жюльєн Леклерк ( Julien Leclercq) - французький поет та художній критик. Відомо, що 1900 року Леклерк придбав у вдови Тео щонайменше 11 робіт Ван Гога. Через рік він організував першу ретроспективну виставку Ван Гога, але незабаром несподівано помер. Дружиною Леклерка була піаністка Фанні Флодін ( FannyFlodin), сестра фінської художниці та скульптора Хілди Флодін ( Hilda Flodin). У 1903 році Фанні продала картину Ван Гога представникам неодноразово згадуваного вище колекціонера Фрітьофа Антелля за 2500 марок (близько 9500 євро на сучасні гроші). Це полотно стало першою картиною Ваг Гога Старої церкви