Про життя критянина Доменіко Теотокопулі, художника, який підкорив іспанську Толедо під ім'ям Ель Греко, тобто Грек, майже не лишилося свідчень. «Божевілля» його характеру і дивна мальовнича манера вражали багатьох і змушували братися за перо — але збереглося лише кілька листів. В одному з них є такі рядки: «...погода була прекрасною, ніжно світило весняне сонце. Воно всьому дарувало радість, і місто виглядало святково. Яке ж було моє здивування, коли я увійшов до майстерні Ель Греко і побачив, що віконниці на вікнах зачинені, і тому було важко розгледіти, що було навколо. Сам Ель Греко сидів на табуретці, нічим не займаючись, але пильнуючи. Він не захотів вийти зі мною, оскільки, за його словами, сонячне світлозаважав його внутрішньому світлу...»

Про Доменіко-людину майже не залишилося свідчень, тільки відлуння: що жив на широку ногу, тримав найбагатшу бібліотеку, читав багатьох філософів і ще судився із замовниками (його любили, а частіше не розуміли), помер майже в злиднях, наче тонкі промені денного. світла пробиваються крізь щілини в «закритих віконницях» його життя. Але не відволікають від головного від внутрішнього світла, яким наповнені картини художника Ель Греко. Особливо – портрети.

У них немає пейзажів, що відкриваються за спиною портретованого, немає великої кількості деталей, які притягують цікаве око. Навіть ім'я героя часто залишається "за дужками". Тому що все це завадило б побачити обличчя. І очі, глибокі, темні, що дивляться прямо на тебе. Від них важко відірватися, а якщо й змусиш себе, то щоб побачити жест і знову зупинитися в роздумах.

Такий Портрет кавалера з рукою на грудях (1577-1579), написаний майстром невдовзі після його переїзду в Толедо. Цей портрет визнають одним із найкращих в іспанському живописі XVI століття. Чужинець Ель Греко створив «яскраві зображення іспанського життя та історії», в яких відображені «справжні живі істоти, що поєднують у собі все, чим слід захоплюватися в нашому народі, все героїчне та невгамовне, з тими протилежними властивостями, які не можуть не бути відображені, не зруйнувавши саму його сутність» (А. Сеговія). Аристократи з давніх прізвищ Толедо стали справжніми героями Ель Греко, він побачив їх внутрішнє світло— їхня шляхетність і гідність, вірність обов'язку, розум, вишуканість манер, мужність, зовнішня стриманість і внутрішній порив, сила серця, яке знає, заради чого живе і вмирає...

День за днем ​​зупиняються навпроти невідомого ідальго відвідувачі галереї Прадо, здивовані зі словами: «Як живий...» Хто він, цей лицар? Чому з такою щирістю відкриває своє серце? Чому так притягують очі? І цей жест клятви? І рукоятка шпаги?.. Можливо, з цих питань народилася легенда, що зображений на портреті — інший великий іспанець: Мігель де Сервантес. Воїн і письменник, який розповів світові історію лицаря сумного образу, якому було дано той же божественний дар, що Ель Греко, — бачити людей такими, якими вони мають бути, бачити їхнє внутрішнє світло...

на журнал «Людина без кордонів»

Можливо, один із найраніших створених в Іспанії портретів Ель Греко - так званий "Портрет кавалера з рукою на грудях" (бл. 1577-1579). Про це свідчить насамперед традиційніша, темніша, побудована на відтінках коричневих тонів мальовнича манера щільним гладким мазком. Типова психологічна нейтральність трактування, яка надалі поступиться місцем набагато більш активній характеристиці.

Цей відомий портретЕль Греко є як би зведений у рамки канону образ дворянина свого часу. Елегантний, дуже спокійний, жестом клятви або переконання поклав праву рукуна груди, невідомий кабальєро втілює характерне для іспанської аристократії sociego, тобто вираз у зовнішньому вигляді незворушності, стриманості, гідності.

Ефес толедської шпаги - промовиста деталь його суворого вигляду, чорного костюма, прикрашеного високим коміром і манжетами з білосніжних мережив. Антоніна Валлантен справедливо зазначає, що цей тип іспанця проник на підмостки сцени і жив уже на сторінках романів, але щоб бути зображеним, йому довелося дочекатися приїзду Ель Греко в Толедо.

Портрету, однак, властива внутрішня суперечливістьоскільки ідеальний аспект образу не зовсім відповідає особистості портретованого - зображена не дуже змістовна натура. Враження досягається образотворчим строєм полотна, де із темного фону світлими плямамивиступають обличчя та кисть руки із символічним розташуванням пальців; особливу крихкість набуває дорога краса тонких мерехтливих мережив, ефесу шпаги, що ніби висить у повітрі. Відчуженість погляду кабальєро, наділеного типовою ельгреківською різноокістю, посилює виразність образу.

Світлана Обухова

Про життя критянина Доменіко Теотокопулі, художника, який підкорив іспанську Толедо під ім'ям Ель Греко, тобто Грек, майже не лишилося свідчень. «Божевілля» його характеру і дивна мальовнича манера вражали багатьох і змушували братися за перо - але збереглося лише кілька листів. В одному з них є такі рядки: «...погода була прекрасною, ніжно світило весняне сонце. Воно всьому дарувало радість, і місто виглядало святково. Яке ж було моє здивування, коли я увійшов до майстерні Ель Греко і побачив, що віконниці на вікнах зачинені, і тому було важко розгледіти, що було навколо. Сам Ель Греко сидів на табуретці, нічим не займаючись, але пильнуючи. Він не захотів вийти зі мною, оскільки, за його словами, сонячне світло заважало його внутрішньому світлу...»

Про Доменіко-людину майже не залишилося свідчень, тільки відлуння: що жив на широку ногу, тримав багатющу бібліотеку, читав багатьох філософів і ще судився із замовниками (його любили, а частіше не розуміли), помер майже в злиднях, - наче тонкі промені денного. світла пробиваються крізь щілини в «закритих віконницях» його життя. Але не відволікають від головного – від внутрішнього світла, яким сповнені картини художника Ель Греко. Особливо – портрети.

У них немає пейзажів, що відкриваються за спиною портретованого, немає великої кількості деталей, які притягують цікаве око. Навіть ім'я героя часто залишається "за дужками". Тому що все це завадило б побачити обличчя. І очі, глибокі, темні, що дивляться прямо на тебе. Від них важко відірватися, а якщо й змусиш себе, то щоб побачити жест – і знову зупинитись у роздумах.

Такий Портрет кавалера з рукою на грудях (1577-1579), написаний майстром невдовзі після його переїзду в Толедо. Цей портрет визнають одним із найкращих в іспанському живописі XVI століття. Чужинець Ель Греко створив «яскраві зображення іспанського життя та історії», в яких відображені «справжні живі істоти, що поєднують у собі все, чим слід захоплюватися в нашому народі, все героїчне та невгамовне, з тими протилежними властивостями, які не можуть не бути відображені, не зруйнувавши саму його сутність» (А. Сеговія). Аристократи з древніх прізвищ Толедо стали справжніми героями Ель Греко, він побачив їхнє внутрішнє світло - їхню шляхетність і гідність, вірність обов'язку, розум, вишуканість манер, мужність, зовнішню стриманість і внутрішній порив, силу серця, яке знає, заради чого живе і вмирає. ..

День за днем ​​зупиняються навпроти невідомого ідальго відвідувачі галереї Прадо, здивовані зі словами: «Як живий...» Хто він, цей лицар? Чому з такою щирістю відкриває своє серце? Чому так притягують очі? І цей жест клятви? І рукоять шпаги?.. Можливо, із цих питань народилася легенда, що зображений на портреті - інший великий іспанець: Мігель де Сервантес. Воїн і письменник, який розповів світові історію лицаря сумного образу, якому було дано той же божественний дар, що Ель Греко, - бачити людей такими, якими вони мають бути, бачити їхнє внутрішнє світло...

Інші картини з музею Прадо в Ермітажі...

Ель Греко "Христос, що обіймає хрест" 1600 - 1605

Зображений на тлі типового для Ель Греко грозового неба Христос обіймає хрест своїми витонченими руками, зі спокійною приреченістю дивлячись нагору. Картина мала великий успіх, і в майстерні Ель Греко було створено багато її версій.

Ель Греко "Свята родина зі св. Анною та маленьким Іоаном Хрестителем" бл. 1600 – 1605

Для пізнього періоду творчості Ель Греко характерне використання пронизливих кольорів та спалахів; простір повністю заповнюється фігурами, які затуляють обрій. Виписані вібруючим мазком форми втрачають свою матеріальність. Маленький Іоанн-хреститель закликає глядача до мовчання, щоб не порушити спокій немовляти Христа...

Портрет короля Філіпа IV. 1653-1657

Основи психологічного портрета в європейське мистецтвозаклав іспанський живописець Дієго Родрігес де Сільва Веласкес. Він народився в небагатій дворянській родині в Севільї, навчався у Еррери Старшого та Пачеко. У 1622 році вперше приїхав до Мадриду. У практичному сенсі ця поїздка виявилася не надто вдалою – гідного місця Веласкес собі не знайшов. Він сподівався зустрітися з молодим королем Філіппом IV, але зустріч не відбулася. Тим не менш, чутки про молодому художникудосягли двору, і вже наступного, 1623-го, року перший міністр герцог де Оліварес (теж виходець із Севільї) запросив Веласкеса до Мадрида писати портрет короля. Ця робота, що не дійшла до нас, справила настільки приємне враження на монарха, що той негайно запропонував Веласкесу посаду придворного художника. Незабаром між королем і Веласкесом склалися цілком дружні стосунки, що було не надто характерно для порядків, що панували за іспанського двору. Король, який правив найбільшою у світі імперією, вважався не людиною, а божеством, а художник не міг розраховувати навіть на дворянські привілеї, оскільки заробляв життя працею. Тим часом Філіп розпорядився, щоб надалі його портрети писав тільки Веласкес. Великий монарх був напрочуд щедрий і прихильний до Веласкесу. Майстерня художника знаходилася в королівських апартаментах, і там було встановлене крісло для Його Величності. Король, що мав у себе ключ від майстерні, приходив сюди майже кожен день, щоб спостерігати за роботою художника. Перебуваючи на королівській службі з 1623 по 1660 рр., Веласкес написав приблизно півтора десятки портретів свого сюзерена. Із них до нас дійшло трохи більше 10 полотен. Таким чином, у середньому Веласкес портретував свого сюзерена приблизно раз на три роки. Писати портрети короля було роботою Веласкеса, і він робив цю роботу чудово. Завдяки цьому ми маємо комплекс творів, свого роду унікальний: на портретах Веласкеса простежується життєвий шляхкороля Пилипа так виразно, як потім стало звичаєм лише у вік фотографії. У полотнах митця чітко помітна еволюція. Змінюється, по-перше, сам король, 18-річний на першому портреті та 50-річний на останньому, на його обличчя лягає відбиток вікових та духовних змін. По-друге, поглиблюється сприйняття художником своєї моделі, перетворюючись із поверхневого на проникливе. Згодом змінюється спосіб подачі моделі та художні прийоми. Манера Веласкеса трансформується під впливом його творчого зростання, а також під впливом сучасної вітчизняної та іноземної традиції. На цьому підгрудному портреті Філіп IV зображений на темному тлі у чорному одязі з білим коміром, який яскраво виділяє обличчя монарха. Веласкес уникає показної розкоші в портреті короля і показує «людське обличчя» монарха без будь-якої лестощів або придворної хитрості. Ми виразно відчуваємо, що людина, яка дивиться на нас з полотна, нещаслива, Останніми рокамиправління були для короля легкими. Це - людина, яка пізнала розчарування, але при цьому - людина, плоть якої сповнена вродженої величі, похитнути яку не зможе ніщо. Інший великий художник, іспанець до мозку кісток - Пабло Руїс Пікассо так говорить про образ іспанського короля: «ми не можемо уявити іншого Філіпа IV, крім створеного Веласкесом ...»

"Портрет короля Пилипа IV" (бл. 1653 - 1657)

Один із останніх портретів монарха. Цікаво відзначити, що тут немає жодного елемента, що говорить про королівський статус портретованого. Веласкес служив Пилипу IV майже сорок років - з 1623 року і до смерті, писав портрети короля та її сім'ї, великі сюжетні полотна для Королівської колекції.

Дієго Веласкес "Портрет блазня дона Дієго де Аседо" (Ель Прімо) бл. 1644

Дієго Веласкес "Портрет королеви Маріанни Австрійської" 1652-1653

Тіціан (Тіціано Вечелліо) "Венера з Амуром і органіст" 1555

Музикант грає, розташувавшись біля ніг Венери і милуючись оголеним тілом богині, абстрактною грою з Амуром. Деякі бачили у цій картині твір суто еротичний, інші ж сприймали символічно - як алегорію почуттів, де зір і слух виступають інструментами пізнання краси та гармонії. Тіціан написав п'ять версій цієї теми.

Паоло Веронезе (Паоло Кальярі) - "Мая Магдалина, що кається" 1583

Після звернення у віру Марія Магдалина присвятила своє життя каяттю та молитві, відійшовши від світу. На цьому полотні вона зображена дивиться в небеса і залита божественним світлом. Картина написана в густих темних тонах, притаманних стилю Веронезе в пізній період його творчості. Перед тим, як потрапити в іспанські Королівські колекції, робота належала англійському королю Карлу I (страчений 1649 р.)

Антоніс Ван Дейк "Портрет чоловіка із лютнею" 1622-1632

Антоніс Ван Дейк завдячує своєю славою саме жанру портрета, який в ієрархії європейського живописузаймав досить низьке становище. Однак у Фландрії на той час вже склалася традиція портретного мистецтва. Ван Дейк написав сотні портретів, кілька автопортретів, став одним із творців стилю парадного портрета 17 ст. У портретах своїх сучасників він показував їхній інтелектуальний, емоційний світ, духовне життя, живий характер людини.
Традиційно моделлю для цього портрета вважають Якова Готьє, лютеніста при англійському дворі з 1617 по 1647, але наявність меча і в більшою мірою, стилістичні характеристикиРоботи вказують, що вона повинна бути датована набагато раніше від поїздки Ван Дейка до Лондона, що ставить під сумнів цю теорію. Наявність музичного інструменту не обов'язково означає, що моделлю був музикант. Як символ музичні інструменти часто зображалися на портретах, як вказівку на інтелектуальну витонченість і чутливість зображуваного.

Хуан Баутіста Маїно «Поклоніння Пастухів» 1612-1614

Один із шедеврів Маїно. У колекції Державного Ермітажузберігається інша версія цього сюжету, написана Маїно. Художник народився в Пастрані (Гвадалахара) і з 1604 до 1610 жив у Римі. У цій роботі, написаній після повернення до Іспанії, відчувається вплив Караваджо та Ораціо Джентілескі. У 1613 Маіно став членом домініканського ордену, і картина увійшла до вівтарного циклу монастиря Св. Петра Мученика в Толедо.

Жорж де Латур «Сліпий музикант із колісною лірою» Ок. 1625-1630

Латур зображує старого сліпого музиканта, що грає на коловій лірі. Художник, який працював під впливом стилю Караваджо, із захопленням відтворює деталі - візерунок, що прикрашає музичний інструмент, зморшки на обличчі сліпий, його волосся.

Пітер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс «Персей, що звільняє Андромеду» Ок. 1639-1640

Франсіско де Гойя "Портрет Фердинанда VII" 1814-1815

Після поразки Наполеона в 1814 Фердинанд VII повернувся на іспанський трон. На портреті він зображений у королівській мантії на горностаєвій підкладці, зі скіпетром та орденами Карлоса III та Золотого Руна.
Фердинанд VII, який керував країною до 1833 року, у 1819 році заснував Музей Прадо.

Франсіско де Гойя "Марія фон Санта Круз" 1805

Марія фон Санта Круз, дружина першого директора Прадо, була однією з найшанованіших жінок Іспанії свого часу.
На портреті 1805 року Гойя зобразив маркізу у ролі музи. ліричної поезіїЕвтерпи, що лежить на канапі та з лірою у лівій руці. Вибір саме такого образу зумовлений пристрастю маркізи до поезії.

Франсіско Гойя - "Осінь (Збір винограду)" 1786 - 1787

Франсіско ГОЙЯ - "Збір винограду". фрагмент

У 1775 – 1792 роках Гойей було створено сім серій картонів до гобеленів для палаців Ескоріалу та Прадо у передмісті Мадрида. Ця картина, зокрема, належить до серії пори року і призначалася для їдальні принца Астурійського в Прадо. Гойя зобразив класичний сюжетяк повсякденну сценку, у якій відбивається характер взаємовідносин між різними станами - на картині зображені власники виноградника із сином та служницею.

Франсіско Гойя "Портрет генерала Хосе де Уррутія" (бл. 1798)

Хосе де Уррутія (1739 - 1809) - один із найвидатніших іспанських воєначальників і єдиний у XVIII столітті армійський офіцер неаристократичного походження, який досяг звання капітан-генерала - зображений з орденом Святого Георгія, яким його нагородила російська імператриця вокатерина Велика час Кримської кампанії 1789 року.

Пітер Пауль Рубенс "Портрет Марії Медічі". Ок. 1622-1625.

Марія Медічі (1573 – 1642) була дочкою великого герцога тосканського Франческо I. У 1600 році стала дружиною французького короля Генріха IV. З 1610 року була регентшою за свого малолітнього сина, майбутнього короля Людовіка XIII. Рубенсу вона замовила серію робіт, які прославляють її саму та її покійного чоловіка. На портреті королева зображена у вдовиному головному уборі та на незавершеному фоні.

Доменіко Тінторетто "Жінка, що оголює груди" Ок. 1580-1590

Вісенте Лопес Портанья "Портрет Фелікса Максимо Лопеса, першого органіста Королівської капели" 1820

Іспанський живописець-неокласицист, який зберіг при цьому сліди стилю рококо. Лопес вважався одним із найкращих портретистів свого часу, поступаючись лише Франсіско де Гойє. Він почав вивчення живопису у Валенсії у віці 13 років, і вже через чотири роки виграв кілька перших призів в Академії Сан-Карлос, чим заслужив направлення зі стипендією на навчання до престижної столичної королівської Академії. витончених мистецтвСан-Фернандо. Після закінчення навчання Лопес кілька років працював у майстерні Маріано Сальвадора Маельї, свого вчителя. До 1814 року, після французької окупації, Лопес був досить добре відомим художникомтому іспанський король Фердинанд VII викликав його в Мадрид і призначив офіційним придворним художником, при тому, що «першим королівським художником» на той час був сам Франсіско Гойя. Вісенте Лопес був плідним художником, він писав картини на релігійні, алегоричні, історичні та міфологічні сюжети, але насамперед був, звичайно, портретистом. За свою довгу кар'єру він написав портрети майже кожного відомої людинив Іспанії у першій половині 19 століття.
Цей портрет першого органіста королівської каплиці та знаменитого музикантаі композитора було написано незадовго до смерті художника, і його закінчили старшим сином Амброзіо Лопесом.

Антон Рафаель Менгс "Портрет Марії Луїзи Пармської, принцеси Астурійської" 1766

Хуан Санчес Котан "Натюрморт з дичиною, овочами та фруктами" 1602

Дон Дієго де Аседо був при дворі з 1635 року. Крім "блазенської служби" він виконував обов'язки королівського посильного і завідував печаткою короля. Очевидно, про ці заняття і говорять зображені на картині книжки, папери і письмові приналежності. Вважається, що портрет був написаний у Фразі, провінції Уеска, під час поїздки Філіпа IV Арагоном, в якій його супроводжував Дієго де Аседо. На задньому плані височіє пік Маліссіоса гірського ланцюга Гвадаррама.

Ієронім Босх "Вилучення каменю дурості" бл. 1490

У сатиричній сценці з фігурами на тлі пейзажу зображено операцію з вилучення "кам'я дурості". Напис готичним шрифтом говорить: - "Майстер, скоріше видали камінь. Мене звуть Лубберт Дас". Лубберт - ім'я загальне, що означає невігластво і простодушність. Хірург у головному уборі у вигляді перевернутої лійки, що символізує незнання, "витягує" камінь (латаття) з голови довірливого пацієнта і вимагатиме з нього щедрої оплати. На той час простодушні вірили в те, що в їхній дурості винен камінь у голові. Цим і користувалися шарлатани.

Рафаель (Рафаелло Санті) "Св. сімейство з ягнятком" 1507

Марія допомагає маленькому Христу сісти на ягня - християнський символ прийдешніх Страстей Христових, а св. Йосип спостерігає за ними. Картина написана у Флоренції, де художник вивчав творчість Леонардо да Вінчі під впливом його композицій зі Святим сімейством. У Музеї Прадо це єдиний твір Рафаеля, написаний у ранній період.

Альбрехт Дюрер "Портрет невідомого" Ок. 1521

Портрет відноситься до пізнього періоду творчості Дюрера. Написаний у манері, подібній до стилю нідерландських художників. Капелюх із широкими полями привертає увагу до обличчя портретованого, Падаючий зліва світло концентрує на ньому увагу глядача. Другим фокусом уваги на портреті виступають руки, і насамперед ліва, в якій невідомий тримає сувій - мабуть, що пояснює його соціальний статус.

Рогір Ван дер Вейден «Оплакування» Ок. 1450

Зразком послужив вівтарний триптих для монастиря Мірафлорес (зберігається в картинній галереї Берліна), створений Ван дер Вейденом раніше 1444 і повторений з деякими відмінностями. У цій версії з доданою у невідомий період верхньою частиною Марія, Христос, св. Іоанн і донатор (замовник картини) – член сім'ї Броєрс – зображені в одному просторі. Художник виразно передає горе богоматері, яка притискає до грудей тіло мертвого сина. Трагічній групі зліва протиставлена ​​фігура донатора, відокремлена каменем. Він перебуває у стані молитовної зосередженості. Тоді замовники часто просили зображати себе на картинах. Але, їхні зображення завжди були другорядними - де-небудь на задньому плані, в натовпі і т.д. Тут же донатор зображений на першому плані, проте відокремлений від основної групи каменем та за допомогою кольору.

Алонсо Кано "Мертвий Христос, підтримуваний ангелом" бл. 1646 - 1652

На тлі сутінкового пейзажу ангел підтримує неживе тіло Христа. Незвичайна іконографія цього полотна пояснюється тим, що воно пов'язане не з текстами євангелій, а з так званим Христом св. Григорія. За переказами, папі Григорію Великому з'явилося бачення мертвого Христа, який підтримує два ангели. Кано по-іншому трактував цей сюжет – лише один ангел підтримує нерухоме тіло Христа.

Бартоломе Естебан Мурільо "Богоматір з чотки" Ок. 1650 -1655

Творчість Бартоломе Естебана Мурільйо завершує золотий вік іспанського живопису. Роботи Мурільйо бездоганно точні композиційно, багаті та гармонійні за колоритом і у вищому розумінні слова гарні. Його відчуття завжди щирі і делікатні, але в полотнах Мурільйо вже немає тієї духовної могутності та глибини, які так вражають у роботах старших його сучасників. Життя художника пов'язане з його рідною Севільєю, хоча йому доводилося бувати у Мадриді та інших містах. Пройшовши навчання у місцевого живописця Хуана дель Кастільо (1584-1640), Мурільйо багато працював на замовлення монастирів і храмів. У 1660 р. він став президентом Академії мистецтв у Севільї.
Своїми полотнами на релігійні сюжети Мурільйо прагнув нести втіху та заспокоєння. Не випадково він часто писав образ Богоматері. З картини в картину переходило зображення Марії як чарівної юної дівчини з правильними рисами обличчя і спокійним поглядом. Її безневинний вигляд мав викликати у глядача почуття солодкого розчулення. На цій картині Бартоломе Мурільйо змалював Мадонну та Ісуса з розарієм, традиційними католицькими чітками, молитві за якими надавалося велике значенняза часів художника. У цій роботі ще помітні риси натуралізму, що переважав у роботах представників Севільської школи в першій половині XVII століття, проте мальовнича манера Мурільйо вже вільніша, ніж у його ранній творчості. Ця вільна манера особливо сильно проявляється у зображенні вуалі Діви Марії. Художник використовує яскраве світло для виділення фігур на темному тлі та створення контрасту між ніжними тонами обличчя Богородиці та тіла немовляти Христа та глибокими тінями у складках тканин.
В Андалусії XVII століття користувався особливим попитом образ Богоматері з немовлям. Мурільйо, чия творче життяпройшла в Севільї, написав безліч таких, пронизаних ніжністю, картин. У цьому випадку зображена Богоматір з чітками. І тут, як і в ранні роки своєї творчості, художник залишається вірним своїй пристрасті до світлотіньових контрастів.

Бартоломе Естебан Мурільо "Добрий пастир" 1655-1660

Картина перейнята глибоким ліризмом та добротою. У назву взято слова з Євангелія від Івана: «Я є пастир добрий». Це говорить, що на картині зображений Христос, хай і в ранньому віці. У картині у Мурільйо все чудово і просто. Художник любив писати дітей, і все це кохання він вклав у красу образу цього хлопчика-Бога. У 1660-1670-х рр., в епоху розквіту своєї мальовничої майстерності, Мурільйо прагнув поетизації своїх персонажів, і його часто звинувачували в деякій сентиментальності образів та їх навмисної краси. Однак ці закиди не зовсім справедливі. Дитину, зображену на картині, можна побачити і в наші дні як у Севільї, так і в навколишніх селищах. І саме в цьому виявлялася демократична спрямованість творчості художника – у вирівнюванні краси Мадонни з красою простих іспанських жінок, та краси її сина, маленького Христа, з красою вуличних шибеників.

Алонсо Санчес Коельо «Портрет інфант Ізабелли Клари Еухенії та Каталіни Мікаели» 1575

На портреті принцеси, восьми та дев'яти років, тримають вінок квітів. Санчес Коельо писав портрети інфант - улюблених дочок короля Філіпа II та його третьої дружини Ізабелли Валуа - з раннього їхнього віку. Всі портрети виконані з дотриманням канонів придворного портрета - дівчинки в пишному одязі та з пристрасним виразом облич.

Антон Рафаель Менгс. Портрет короля Карлоса ІІІ. 1767

Карла III називали чи не єдиним воістину освіченим монархом в історії Іспанії. Саме ним засновано Музей Прадо у 1785 році, спочатку як музей природної історії. Карл III мріяв, що музей Прадо разом із розташованими по сусідству ботанічними садами стане центром наукової освіти.
Зійшовши на престол, він почав проводити серйозні політичні та економічні реформи, чого так гостро потребувала країна на той момент. Однак його зусилля зникли задарма - його син Карл IV не поділяв прогресивних поглядів батька, і після смерті Карла III з реформами було покінчено.
Цей портрет є абсолютно типовим для свого часу. Кожною деталлю художник привертає увагу до положення, яке займає модель: мантія, оброблена горностаєм, інкрустований коштовностями Мальтійський хрест, блискучі обладунки – неодмінні атрибути королівської величі. Пишне драпірування та пілястра (елемент класичної архітектури) – традиційне тло для подібних портретів.
Але вже в цьому портреті дивно, як представлено обличчя моделі. Менгс не робить жодної спроби зменшити схожий на цибулину королівський ніс або розгладити складки на зморшкуватих щоках. Завдяки максимальній індивідуальності, у цій картині створюється відчуття життя, чого не могли досягти попередники Менгса. Портрет змушує відчувати симпатію до Карлоса III, який готовий "показати" свою неідеальну зовнішність.

Антуан Ватто "Свято в парку" прибл. 1713 - 1716

Ця чарівна сценка – типовий зразок "галантних свят" Ватто. Легкий туман, що змащує контури, майже захована в листі над фонтаном статуя Нептуна і бляклий золотистий колір - все це передає атмосферу гострої, але швидкоплинної насолоди.
Картина належала Ізабеллі Фарнезе, другій дружині короля Пилипа V.

Антоніо Карнісеро "Підйом кулі Монгольф'єра в Аранхуесі" бл. 1784

Картина написана на замовлення герцога та герцогині Осуена, в ній вгадується дух епохи Просвітництва, що пробудила інтерес до здобутків наукового прогресу. Зображено реальна подія: у 1784 році в Королівських садах Аранхуеса в присутності монарха, членів його сім'ї та придворних було здійснено політ на кулі Монгольф'єра. Антоніо Карнісеро був відомий своїми чарівними жанровими сценами, і це полотно - один із його найамбіційніших творів.

Хосе де Мадрасо-і-Агудо "Кохання небесне та любов земна" 1813

Франсіско де Сурбаран "Agnus Dei. Божий Агнець" 1635-1640

На сірому столі лежить ягня, різко виділяючись на темному тлі в гостро сфокусованому яскравому світлі. Будь-яка людина в XVII столітті відразу дізналася б у ньому "ягня божого" і зрозуміла б, що це натяк на самопожертву Христа. Шерсть ягняти чудово виписана і здається такою м'якою, що важко відірвати погляд від тварини і хочеться доторкнутися до неї.

Хуан Пантоха де ла Крус "Портрет королеви Ізабелли Валуа" бл. 1604 – 1608

Пантоха де ла Крус написав цей портрет, повторивши роботу Софонісби Ангішоли - оригінал згорів у палаці 1604 року. Художник тільки додав до наряду королеви накидку з хутра бабака.
Софонісба Ангішола – художниця з Кремони, яка працювала при іспанському дворі. Це був перший портрет молодої королеви із серії, виконаної художницею. Картина написана в манері, наближеній до іспанської, але в тепліших і світліших тонах.

Жан Ранн "Портрет Карлоса III у дитинстві" 1723

Луїс Мелендес "Натюрморт з коробкою солодощів, кренделем та іншими предметами" 1770

Найбільший майстер іспанського натюрморту XVIII ст., Луїс Мелендес народився Італії, у ній художника-миниатюриста з Астурії. У 1717 році сім'я переїхала до Мадрида, де юнак вступив на підготовче відділення Академії Сан Фернандо, і серед найобдарованіших її учнів зайняв перше місце. Однак у 1747 році він був змушений залишити Академію слідом за своїм батьком, вигнаним із неї внаслідок конфлікту. У цей час Мелендес знову відвідує Італію. Допомагаючи спочатку батькові, він став мініатюристом, і, повернувшись з Італії, був запрошений Фердинандом VI для ілюстрування книг у Королівській капелі Мадрида. У жанрі натюрморту, якого художник звернувся на початку 1760-х років, виявилася нова грань його творчості.
Цей натюрморт написано в зрілий період творчості художника. У цей час у його композиціях з'являються предмети розкоші, срібний посуд. Проте художник, як і раніше, дотримується своїх ідеалів і працює в руслі жанрової традиції. Матеріальна відчутність кожного з написаних на полотні предметів змушує згадати найкращі зразки натюрморту у світовому мистецтві. Відчутне прозоре скло склянки відбивається в матово-блискучій поверхні срібної вази. М'який, крендель на білій серветці, здається, пахне щойно випеченим хлібом. Тьмяно поблискує шийка запечатаної пляшки. Ледве виступає за край освітленого столу срібна вилка. У композиції цього натюрморту немає аскетичної побудови предметів до одного ряду, властивого, наприклад, натюрмортам Сурбарана. Мабуть, у ньому є щось спільне із голландськими зразками. Але тон темніший, предметів менший і композиція простіше.

Хуан де Арельяно "Кошик квітів" 1670

Іспанський художник епохи бароко, що спеціалізується на зображенні квіткових композицій, народився у Санторказі у 1614 році. Спочатку навчався у майстерні невідомого зараз художника, але у віці 16 років переїхав до Мадрида, де навчався у Хуана де Соліса, художника, який виконує замовлення для королеви Ізабелли. Хуан де Арельяно довгий часжив за рахунок дрібних замовлень, включаючи розписи на стінах, поки не вирішив зайнятися виключно малюванням квітів і став неперевершеним майстромв цій області. Припускають, що почав майстер із копіювання робіт інших, особливо італійських, художників, елегантності та суворості його стилю додали натюрморти фламандців. Пізніше до цього поєднання він додав власні композиційні знахідки та характерну палітру кольорів.
Досить проста композиція цього натюрморту характерна для Арельяно. Чисті, інтенсивні кольори рослин яскраво виділяються на нейтральному коричневому тлі за рахунок інтенсивного освітлення.

Світлана Обухова

Про життя критянина Доменіко Теотокопулі, художника, який підкорив іспанську Толедо під ім'ям Ель Греко, тобто Грек, майже не лишилося свідчень. «Божевілля» його характеру і дивна мальовнича манера вражали багатьох і змушували братися за перо - але збереглося лише кілька листів. В одному з них є такі рядки: «...погода була прекрасною, ніжно світило весняне сонце. Воно всьому дарувало радість, і місто виглядало святково. Яке ж було моє здивування, коли я увійшов до майстерні Ель Греко і побачив, що віконниці на вікнах зачинені, і тому було важко розгледіти, що було навколо. Сам Ель Греко сидів на табуретці, нічим не займаючись, але пильнуючи. Він не захотів вийти зі мною, оскільки, за його словами, сонячне світло заважало його внутрішньому світлу...»

Про Доменіко-людину майже не залишилося свідчень, тільки відлуння: що жив на широку ногу, тримав багатющу бібліотеку, читав багатьох філософів і ще судився із замовниками (його любили, а частіше не розуміли), помер майже в злиднях, - наче тонкі промені денного. світла пробиваються крізь щілини в «закритих віконницях» його життя. Але не відволікають від головного – від внутрішнього світла, яким сповнені картини художника Ель Греко. Особливо – портрети.

У них немає пейзажів, що відкриваються за спиною портретованого, немає великої кількості деталей, які притягують цікаве око. Навіть ім'я героя часто залишається "за дужками". Тому що все це завадило б побачити обличчя. І очі, глибокі, темні, що дивляться прямо на тебе. Від них важко відірватися, а якщо й змусиш себе, то щоб побачити жест – і знову зупинитись у роздумах.

Такий Портрет кавалера з рукою на грудях (1577-1579), написаний майстром невдовзі після його переїзду в Толедо. Цей портрет визнають одним із найкращих в іспанському живописі XVI століття. Чужинець Ель Греко створив «яскраві зображення іспанського життя та історії», в яких відображені «справжні живі істоти, що поєднують у собі все, чим слід захоплюватися в нашому народі, все героїчне та невгамовне, з тими протилежними властивостями, які не можуть не бути відображені, не зруйнувавши саму його сутність» (А. Сеговія). Аристократи з древніх прізвищ Толедо стали справжніми героями Ель Греко, він побачив їхнє внутрішнє світло - їхню шляхетність і гідність, вірність обов'язку, розум, вишуканість манер, мужність, зовнішню стриманість і внутрішній порив, силу серця, яке знає, заради чого живе і вмирає. ..

День за днем ​​зупиняються навпроти невідомого ідальго відвідувачі галереї Прадо, здивовані зі словами: «Як живий...» Хто він, цей лицар? Чому з такою щирістю відкриває своє серце? Чому так притягують очі? І цей жест клятви? І рукоять шпаги?.. Можливо, із цих питань народилася легенда, що зображений на портреті - інший великий іспанець: Мігель де Сервантес. Воїн і письменник, який розповів світові історію лицаря сумного образу, якому було дано той же божественний дар, що Ель Греко, - бачити людей такими, якими вони мають бути, бачити їхнє внутрішнє світло...

Інші картини з музею Прадо в Ермітажі...

Ель Греко "Христос, що обіймає хрест" 1600 - 1605

Зображений на тлі типового для Ель Греко грозового неба Христос обіймає хрест своїми витонченими руками, зі спокійною приреченістю дивлячись нагору. Картина мала великий успіх, і в майстерні Ель Греко було створено багато її версій.

Ель Греко "Свята родина зі св. Анною та маленьким Іоаном Хрестителем" бл. 1600 – 1605

Для пізнього періоду творчості Ель Греко характерне використання пронизливих кольорів та спалахів; простір повністю заповнюється фігурами, які затуляють обрій. Виписані вібруючим мазком форми втрачають свою матеріальність. Маленький Іоанн-хреститель закликає глядача до мовчання, щоб не порушити спокій немовляти Христа...

Портрет короля Філіпа IV. 1653-1657

Основи психологічного портрета у європейському мистецтві заклав іспанський живописець Дієго Родрігес де Сільва Веласкес. Він народився в небагатій дворянській родині в Севільї, навчався у Еррери Старшого та Пачеко. У 1622 році вперше приїхав до Мадриду. У практичному сенсі ця поїздка виявилася не надто вдалою – гідного місця Веласкес собі не знайшов. Він сподівався зустрітися з молодим королем Філіппом IV, але зустріч не відбулася. Тим не менш, чутки про молодого художника досягли двору, і вже наступного, 1623-го, року перший міністр герцог де Оліварес (теж виходець із Севільї) запросив Веласкеса до Мадрида писати портрет короля. Ця робота, що не дійшла до нас, справила настільки приємне враження на монарха, що той негайно запропонував Веласкесу посаду придворного художника. Незабаром між королем і Веласкесом склалися цілком дружні стосунки, що було не надто характерно для порядків, що панували за іспанського двору. Король, який правив найбільшою у світі імперією, вважався не людиною, а божеством, а художник не міг розраховувати навіть на дворянські привілеї, оскільки заробляв життя працею. Тим часом Філіп розпорядився, щоб надалі його портрети писав тільки Веласкес. Великий монарх був напрочуд щедрий і прихильний до Веласкесу. Майстерня художника знаходилася в королівських апартаментах, і там було встановлене крісло для Його Величності. Король, що мав у себе ключ від майстерні, приходив сюди майже кожен день, щоб спостерігати за роботою художника. Перебуваючи на королівській службі з 1623 по 1660 рр., Веласкес написав приблизно півтора десятки портретів свого сюзерена. Із них до нас дійшло трохи більше 10 полотен. Таким чином, у середньому Веласкес портретував свого сюзерена приблизно раз на три роки. Писати портрети короля було роботою Веласкеса, і він робив цю роботу чудово. Завдяки цьому ми маємо комплекс творів, свого роду унікальний: на портретах Веласкеса простежується життєвий шлях короля Філіпа так виразно, як потім стало звичаєм лише у вік фотографії. У полотнах митця чітко помітна еволюція. Змінюється, по-перше, сам король, 18-річний на першому портреті та 50-річний на останньому, на його обличчя лягає відбиток вікових та духовних змін. По-друге, поглиблюється сприйняття художником своєї моделі, перетворюючись із поверхневого на проникливе. Згодом змінюється спосіб подачі моделі та художні прийоми. Манера Веласкеса трансформується під впливом його творчого зростання, а також під впливом сучасної вітчизняної та іноземної традиції. На цьому підгрудному портреті Філіп IV зображений на темному тлі у чорному одязі з білим коміром, який яскраво виділяє обличчя монарха. Веласкес уникає показної розкоші в портреті короля і показує «людське обличчя» монарха без будь-якої лестощів або придворної хитрості. Ми чітко відчуваємо, що людина, яка дивиться на нас з полотна, нещаслива, останні роки правління не були для короля легкими. Це - людина, яка пізнала розчарування, але при цьому - людина, плоть якої сповнена вродженої величі, похитнути яку не зможе ніщо. Інший великий художник, іспанець до мозку кісток - Пабло Руїс Пікассо так говорить про образ іспанського короля: «ми не можемо уявити іншого Філіпа IV, крім створеного Веласкесом ...»

"Портрет короля Пилипа IV" (бл. 1653 - 1657)

Один із останніх портретів монарха. Цікаво відзначити, що тут немає жодного елемента, що говорить про королівський статус портретованого. Веласкес служив Пилипу IV майже сорок років - з 1623 року і до смерті, писав портрети короля та її сім'ї, великі сюжетні полотна для Королівської колекції.

Дієго Веласкес "Портрет блазня дона Дієго де Аседо" (Ель Прімо) бл. 1644

Дієго Веласкес "Портрет королеви Маріанни Австрійської" 1652-1653

Тіціан (Тіціано Вечелліо) "Венера з Амуром і органіст" 1555

Музикант грає, розташувавшись біля ніг Венери і милуючись оголеним тілом богині, абстрактною грою з Амуром. Деякі бачили у цій картині твір суто еротичний, інші ж сприймали символічно - як алегорію почуттів, де зір і слух виступають інструментами пізнання краси та гармонії. Тіціан написав п'ять версій цієї теми.

Паоло Веронезе (Паоло Кальярі) - "Мая Магдалина, що кається" 1583

Після звернення у віру Марія Магдалина присвятила своє життя каяттю та молитві, відійшовши від світу. На цьому полотні вона зображена дивиться в небеса і залита божественним світлом. Картина написана в густих темних тонах, притаманних стилю Веронезе в пізній період його творчості. Перед тим, як потрапити в іспанські Королівські колекції, робота належала англійському королю Карлу I (страчений 1649 р.)

Антоніс Ван Дейк "Портрет чоловіка із лютнею" 1622-1632

Антоніс Ван Дейк завдячує своєю славою саме жанру портрета, який в ієрархії європейського живопису займав досить низьке становище. Однак у Фландрії на той час вже склалася традиція портретного мистецтва. Ван Дейк написав сотні портретів, кілька автопортретів, став одним із творців стилю парадного портрета 17 ст. У портретах своїх сучасників він показував їхній інтелектуальний, емоційний світ, духовне життя, живий характер людини.
Традиційно моделлю для цього портрета вважають Якова Готьє, лютеніста при англійському дворі з 1617 по 1647, але наявність меча, і більшою мірою, стилістичні характеристики роботи вказують, що вона повинна бути датована набагато раніше від поїздки Ван Дейка до Лондона, що ставить під сумнів цю теорію. Наявність музичного інструменту не обов'язково означає, що моделлю був музикант. Як символ музичні інструменти часто зображалися на портретах, як вказівку на інтелектуальну витонченість і чутливість зображуваного.

Хуан Баутіста Маїно «Поклоніння Пастухів» 1612-1614

Один із шедеврів Маїно. У колекції Державного Ермітажу зберігається інша версія цього сюжету, написана Маїно. Художник народився в Пастрані (Гвадалахара) і з 1604 до 1610 жив у Римі. У цій роботі, написаній після повернення до Іспанії, відчувається вплив Караваджо та Ораціо Джентілескі. У 1613 Маіно став членом домініканського ордену, і картина увійшла до вівтарного циклу монастиря Св. Петра Мученика в Толедо.

Жорж де Латур «Сліпий музикант із колісною лірою» Ок. 1625-1630

Латур зображує старого сліпого музиканта, що грає на коловій лірі. Художник, що працював під впливом стилю Караваджо, із захопленням відтворює деталі – візерунок, що прикрашає музичний інструмент, зморшки на обличчі сліпого, його волосся.

Пітер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс «Персей, що звільняє Андромеду» Ок. 1639-1640

Франсіско де Гойя "Портрет Фердинанда VII" 1814-1815

Після поразки Наполеона в 1814 Фердинанд VII повернувся на іспанський трон. На портреті він зображений у королівській мантії на горностаєвій підкладці, зі скіпетром та орденами Карлоса III та Золотого Руна.
Фердинанд VII, який керував країною до 1833 року, у 1819 році заснував Музей Прадо.

Франсіско де Гойя "Марія фон Санта Круз" 1805

Марія фон Санта Круз, дружина першого директора Прадо, була однією з найшанованіших жінок Іспанії свого часу.
На портреті 1805 року Гойя зобразив маркізу в ролі музи ліричної поезії Евтерпи, що лежить на канапі та з лірою у лівій руці. Вибір саме такого образу зумовлений пристрастю маркізи до поезії.

Франсіско Гойя - "Осінь (Збір винограду)" 1786 - 1787

Франсіско ГОЙЯ - "Збір винограду". фрагмент

У 1775 – 1792 роках Гойей було створено сім серій картонів до гобеленів для палаців Ескоріалу та Прадо у передмісті Мадрида. Ця картина, зокрема, належить до серії пори року і призначалася для їдальні принца Астурійського в Прадо. Гойя зобразив класичний сюжет як повсякденну сценку, у якій відбивається характер взаємовідносин між різними станами - на картині зображені власники виноградника із сином та служницею.

Франсіско Гойя "Портрет генерала Хосе де Уррутія" (бл. 1798)

Хосе де Уррутія (1739 - 1809) - один із найвидатніших іспанських воєначальників і єдиний у XVIII столітті армійський офіцер неаристократичного походження, який досяг звання капітан-генерала - зображений з орденом Святого Георгія, яким його нагородила російська імператриця вокатерина Велика час Кримської кампанії 1789 року.

Пітер Пауль Рубенс "Портрет Марії Медічі". Ок. 1622-1625.

Марія Медічі (1573 – 1642) була дочкою великого герцога тосканського Франческо I. У 1600 році стала дружиною французького короля Генріха IV. З 1610 року була регентшою за свого малолітнього сина, майбутнього короля Людовіка XIII. Рубенсу вона замовила серію робіт, які прославляють її саму та її покійного чоловіка. На портреті королева зображена у вдовиному головному уборі та на незавершеному фоні.

Доменіко Тінторетто "Жінка, що оголює груди" Ок. 1580-1590

Вісенте Лопес Портанья "Портрет Фелікса Максимо Лопеса, першого органіста Королівської капели" 1820

Іспанський живописець-неокласицист, який зберіг при цьому сліди стилю рококо. Лопес вважався одним із найкращих портретистів свого часу, поступаючись лише Франсіско де Гойє. Він почав вивчення живопису у Валенсії у віці 13 років, і вже через чотири роки виграв кілька перших призів в Академії Сан-Карлос, чим заслужив направлення зі стипендією на навчання до престижної столичної королівської Академії образотворчих мистецтв Сан-Фернандо. Після закінчення навчання Лопес кілька років працював у майстерні Маріано Сальвадора Маельї, свого вчителя. До 1814 року, після французької окупації, Лопес був досить добре відомим художником, тому іспанський король Фердинанд VII викликав їх у Мадрид і призначив офіційним придворним художником, у тому, що «першим королівським художником» тоді був сам Франсиско Гойя. Вісенте Лопес був плідним художником, він писав картини на релігійні, алегоричні, історичні та міфологічні сюжети, але насамперед був, звичайно, портретистом. За довгу кар'єру він написав портрети майже кожної відомої людини в Іспанії першої половини 19 століття.
Цей портрет першого органіста королівської каплиці та знаменитого музиканта та композитора був написаний незадовго до смерті художника і був закінчений його старшим сином Амброзіо Лопесом.

Антон Рафаель Менгс "Портрет Марії Луїзи Пармської, принцеси Астурійської" 1766

Хуан Санчес Котан "Натюрморт з дичиною, овочами та фруктами" 1602

Дон Дієго де Аседо був при дворі з 1635 року. Крім "блазенської служби" він виконував обов'язки королівського посильного і завідував печаткою короля. Очевидно, про ці заняття і говорять зображені на картині книжки, папери і письмові приналежності. Вважається, що портрет був написаний у Фразі, провінції Уеска, під час поїздки Філіпа IV Арагоном, в якій його супроводжував Дієго де Аседо. На задньому плані височіє пік Маліссіоса гірського ланцюга Гвадаррама.

Ієронім Босх "Вилучення каменю дурості" бл. 1490

У сатиричній сценці з фігурами на тлі пейзажу зображено операцію з вилучення "кам'я дурості". Напис готичним шрифтом говорить: - "Майстер, скоріше видали камінь. Мене звуть Лубберт Дас". Лубберт - ім'я загальне, що означає невігластво і простодушність. Хірург у головному уборі у вигляді перевернутої лійки, що символізує незнання, "витягує" камінь (латаття) з голови довірливого пацієнта і вимагатиме з нього щедрої оплати. На той час простодушні вірили в те, що в їхній дурості винен камінь у голові. Цим і користувалися шарлатани.

Рафаель (Рафаелло Санті) "Св. сімейство з ягнятком" 1507

Марія допомагає маленькому Христу сісти на ягня - християнський символ прийдешніх Страстей Христових, а св. Йосип спостерігає за ними. Картина написана у Флоренції, де художник вивчав творчість Леонардо да Вінчі під впливом його композицій зі Святим сімейством. У Музеї Прадо це єдиний твір Рафаеля, написаний у ранній період.

Альбрехт Дюрер "Портрет невідомого" Ок. 1521

Портрет відноситься до пізнього періоду творчості Дюрера. Написаний у манері, подібній до стилю нідерландських художників. Капелюх із широкими полями привертає увагу до обличчя портретованого, Падаючий зліва світло концентрує на ньому увагу глядача. Другим фокусом уваги на портреті виступають руки, і насамперед ліва, в якій невідомий тримає сувій - мабуть, що пояснює його соціальний статус.

Рогір Ван дер Вейден «Оплакування» Ок. 1450

Зразком послужив вівтарний триптих для монастиря Мірафлорес (зберігається в картинній галереї Берліна), створений Ван дер Вейденом раніше 1444 і повторений з деякими відмінностями. У цій версії з доданою у невідомий період верхньою частиною Марія, Христос, св. Іоанн і донатор (замовник картини) – член сім'ї Броєрс – зображені в одному просторі. Художник виразно передає горе богоматері, яка притискає до грудей тіло мертвого сина. Трагічній групі зліва протиставлена ​​фігура донатора, відокремлена каменем. Він перебуває у стані молитовної зосередженості. Тоді замовники часто просили зображати себе на картинах. Але, їхні зображення завжди були другорядними - де-небудь на задньому плані, в натовпі і т.д. Тут же донатор зображений на першому плані, проте відокремлений від основної групи каменем та за допомогою кольору.

Алонсо Кано "Мертвий Христос, підтримуваний ангелом" бл. 1646 - 1652

На тлі сутінкового пейзажу ангел підтримує неживе тіло Христа. Незвичайна іконографія цього полотна пояснюється тим, що воно пов'язане не з текстами євангелій, а з так званим Христом св. Григорія. За переказами, папі Григорію Великому з'явилося бачення мертвого Христа, який підтримує два ангели. Кано по-іншому трактував цей сюжет – лише один ангел підтримує нерухоме тіло Христа.

Бартоломе Естебан Мурільо "Богоматір з чотки" Ок. 1650 -1655

Творчість Бартоломе Естебана Мурільйо завершує золотий вік іспанського живопису. Роботи Мурільйо бездоганно точні композиційно, багаті та гармонійні за колоритом і у вищому розумінні слова гарні. Його відчуття завжди щирі і делікатні, але в полотнах Мурільйо вже немає тієї духовної могутності та глибини, які так вражають у роботах старших його сучасників. Життя художника пов'язане з його рідною Севільєю, хоча йому доводилося бувати у Мадриді та інших містах. Пройшовши навчання у місцевого живописця Хуана дель Кастільо (1584-1640), Мурільйо багато працював на замовлення монастирів і храмів. У 1660 р. він став президентом Академії мистецтв у Севільї.
Своїми полотнами на релігійні сюжети Мурільйо прагнув нести втіху та заспокоєння. Не випадково він часто писав образ Богоматері. З картини в картину переходило зображення Марії як чарівної юної дівчини з правильними рисами обличчя і спокійним поглядом. Її безневинний вигляд мав викликати у глядача почуття солодкого розчулення. На цій картині Бартоломе Мурільйо змалював Мадонну та Ісуса з розарієм, традиційними католицькими чітками, молитві за якими надавалося велике значення за часів художника. У цій роботі ще помітні риси натуралізму, що переважав у роботах представників Севільської школи в першій половині XVII століття, проте мальовнича манера Мурільйо вже вільніша, ніж у його ранній творчості. Ця вільна манера особливо сильно проявляється у зображенні вуалі Діви Марії. Художник використовує яскраве світло для виділення фігур на темному тлі та створення контрасту між ніжними тонами обличчя Богородиці та тіла немовляти Христа та глибокими тінями у складках тканин.
В Андалусії XVII століття користувався особливим попитом образ Богоматері з немовлям. Мурільйо, чиє творче життя пройшло в Севільї, написав безліч таких, пронизаних ніжністю, картин. У цьому випадку зображена Богоматір з чітками. І тут, як і в ранні роки своєї творчості, художник залишається вірним своїй пристрасті до світлотіньових контрастів.

Бартоломе Естебан Мурільо "Добрий пастир" 1655-1660

Картина перейнята глибоким ліризмом та добротою. У назву взято слова з Євангелія від Івана: «Я є пастир добрий». Це говорить, що на картині зображений Христос, хай і в ранньому віці. У картині у Мурільйо все чудово і просто. Художник любив писати дітей, і все це кохання він вклав у красу образу цього хлопчика-Бога. У 1660-1670-х рр., в епоху розквіту своєї мальовничої майстерності, Мурільйо прагнув поетизації своїх персонажів, і його часто звинувачували в деякій сентиментальності образів та їх навмисної краси. Однак ці закиди не зовсім справедливі. Дитину, зображену на картині, можна побачити і в наші дні як у Севільї, так і в навколишніх селищах. І саме в цьому виявлялася демократична спрямованість творчості художника – у вирівнюванні краси Мадонни з красою простих іспанських жінок, та краси її сина, маленького Христа, з красою вуличних шибеників.

Алонсо Санчес Коельо «Портрет інфант Ізабелли Клари Еухенії та Каталіни Мікаели» 1575

На портреті принцеси, восьми та дев'яти років, тримають вінок квітів. Санчес Коельо писав портрети інфант - улюблених дочок короля Філіпа II та його третьої дружини Ізабелли Валуа - з раннього їхнього віку. Всі портрети виконані з дотриманням канонів придворного портрета - дівчинки в пишному одязі та з пристрасним виразом облич.

Антон Рафаель Менгс. Портрет короля Карлоса ІІІ. 1767

Карла III називали чи не єдиним воістину освіченим монархом в історії Іспанії. Саме ним засновано Музей Прадо у 1785 році, спочатку як музей природної історії. Карл III мріяв, що музей Прадо разом із розташованими по сусідству ботанічними садами стане центром наукової освіти.
Зійшовши на престол, він почав проводити серйозні політичні та економічні реформи, чого так гостро потребувала країна на той момент. Однак його зусилля зникли задарма - його син Карл IV не поділяв прогресивних поглядів батька, і після смерті Карла III з реформами було покінчено.
Цей портрет є абсолютно типовим для свого часу. Кожною деталлю художник привертає увагу до положення, яке займає модель: мантія, оброблена горностаєм, інкрустований коштовностями Мальтійський хрест, блискучі обладунки – неодмінні атрибути королівської величі. Пишне драпірування та пілястра (елемент класичної архітектури) – традиційне тло для подібних портретів.
Але вже в цьому портреті дивно, як представлено обличчя моделі. Менгс не робить жодної спроби зменшити схожий на цибулину королівський ніс або розгладити складки на зморшкуватих щоках. Завдяки максимальній індивідуальності, у цій картині створюється відчуття життя, чого не могли досягти попередники Менгса. Портрет змушує відчувати симпатію до Карлоса III, який готовий "показати" свою неідеальну зовнішність.

Антуан Ватто "Свято в парку" прибл. 1713 - 1716

Ця чарівна сценка – типовий зразок "галантних свят" Ватто. Легкий туман, що змащує контури, майже захована в листі над фонтаном статуя Нептуна і бляклий золотистий колір - все це передає атмосферу гострої, але швидкоплинної насолоди.
Картина належала Ізабеллі Фарнезе, другій дружині короля Пилипа V.

Антоніо Карнісеро "Підйом кулі Монгольф'єра в Аранхуесі" бл. 1784

Картина написана на замовлення герцога та герцогині Осуена, в ній вгадується дух епохи Просвітництва, що пробудила інтерес до здобутків наукового прогресу. Зображено реальну подію: в 1784 році в Королівських садах Аранхуеса в присутності монарха, членів його сім'ї та придворних було здійснено політ на кулі Монгольф'єра. Антоніо Карнісеро був відомий своїми чарівними жанровими сценами, і це полотно - один із його найамбіційніших творів.

Хосе де Мадрасо-і-Агудо "Кохання небесне та любов земна" 1813

Франсіско де Сурбаран "Agnus Dei. Божий Агнець" 1635-1640

На сірому столі лежить ягня, різко виділяючись на темному тлі в гостро сфокусованому яскравому світлі. Будь-яка людина в XVII столітті відразу дізналася б у ньому "ягня божого" і зрозуміла б, що це натяк на самопожертву Христа. Шерсть ягняти чудово виписана і здається такою м'якою, що важко відірвати погляд від тварини і хочеться доторкнутися до неї.

Хуан Пантоха де ла Крус "Портрет королеви Ізабелли Валуа" бл. 1604 – 1608

Пантоха де ла Крус написав цей портрет, повторивши роботу Софонісби Ангішоли - оригінал згорів у палаці 1604 року. Художник тільки додав до наряду королеви накидку з хутра бабака.
Софонісба Ангішола – художниця з Кремони, яка працювала при іспанському дворі. Це був перший портрет молодої королеви із серії, виконаної художницею. Картина написана в манері, наближеній до іспанської, але в тепліших і світліших тонах.

Жан Ранн "Портрет Карлоса III у дитинстві" 1723

Луїс Мелендес "Натюрморт з коробкою солодощів, кренделем та іншими предметами" 1770

Найбільший майстер іспанського натюрморту XVIII ст., Луїс Мелендес народився Італії, у ній художника-миниатюриста з Астурії. У 1717 році сім'я переїхала до Мадрида, де юнак вступив на підготовче відділення Академії Сан Фернандо, і серед найобдарованіших її учнів зайняв перше місце. Однак у 1747 році він був змушений залишити Академію слідом за своїм батьком, вигнаним із неї внаслідок конфлікту. У цей час Мелендес знову відвідує Італію. Допомагаючи спочатку батькові, він став мініатюристом, і, повернувшись з Італії, був запрошений Фердинандом VI для ілюстрування книг у Королівській капелі Мадрида. У жанрі натюрморту, якого художник звернувся на початку 1760-х років, виявилася нова грань його творчості.
Цей натюрморт написано в зрілий період творчості художника. У цей час у його композиціях з'являються предмети розкоші, срібний посуд. Проте художник, як і раніше, дотримується своїх ідеалів і працює в руслі жанрової традиції. Матеріальна відчутність кожного з написаних на полотні предметів змушує згадати найкращі зразки натюрморту у світовому мистецтві. Відчутне прозоре скло склянки відбивається в матово-блискучій поверхні срібної вази. М'який, крендель на білій серветці, здається, пахне щойно випеченим хлібом. Тьмяно поблискує шийка запечатаної пляшки. Ледве виступає за край освітленого столу срібна вилка. У композиції цього натюрморту немає аскетичної побудови предметів до одного ряду, властивого, наприклад, натюрмортам Сурбарана. Мабуть, у ньому є щось спільне із голландськими зразками. Але тон темніший, предметів менший і композиція простіше.

Хуан де Арельяно "Кошик квітів" 1670

Іспанський художник епохи бароко, що спеціалізується на зображенні квіткових композицій, народився у Санторказі у 1614 році. Спочатку навчався у майстерні невідомого зараз художника, але у віці 16 років переїхав до Мадрида, де навчався у Хуана де Соліса, художника, який виконує замовлення для королеви Ізабелли. Хуан де Арельяно довгий час жив за рахунок дрібних замовлень, включаючи розписи по стінах, доки не вирішив зайнятися виключно малюванням квітів і став неперевершеним майстром у цій галузі. Припускають, що почав майстер із копіювання робіт інших, особливо італійських, художників, елегантності та суворості його стилю додали натюрморти фламандців. Пізніше до цього поєднання він додав власні композиційні знахідки та характерну палітру кольорів.
Досить проста композиція цього натюрморту характерна для Арельяно. Чисті, інтенсивні кольори рослин яскраво виділяються на нейтральному коричневому тлі за рахунок інтенсивного освітлення.

Людина в дзеркалі мистецтва: жанр портрета

Портрет(франц. portrait) - зображення певної людиничи групи людей. Жанр портрета набув поширення в давнину в скульптурі, а потім в живописі і графіці. Але зовнішня схожістьце не єдине, що має передати художник. Набагато важливіше, коли майстер переносить на полотно внутрішню сутність людини та передає атмосферу часу. Розрізняютьпараднийі камерний портрети. Бувають портретипарні і групові. Вони призначаються і для прикраси парадних зал, і для вихваляння певних персон, і для збереження пам'яті людей, об'єднаних професійними, духовними, сімейними узами. Особливу категоріюскладає автопортрет, на якому художник зображує себе.

Будь-який із портретів можна віднести або до психологічного портрета, або
до портрета-характера, чи до портрета-біографії.

Мистецтво допомагає пізнати людину. Не тільки побачити його зовнішній вигляд
лик, а й зрозуміти його сутність, характер, настрій та ін. Портрет майже
завжди реалістичний. Адже його головна мета – впізнаваність зображеногона ньому людину. Однак зазвичай завданням художника є не точнекопіювання зовнішніх рис моделі, не наслідування природи, а «мальовниче перестворення» образу людини. Невипадково виникає бажання непросто впізнати у портреті себе, а можливо, навіть відкрити щось новев собі.
Глядачеві мимоволі передається ставлення художника до моделі. Важливим
є все те, що виражає емоції, ставлення до життя, до людей: міміка
зображеного обличчя, вираз очей, лінія губ, поворот голови, постава,
жест.
Нерідко ми тлумачимо твір із позиції людини сьогоднішньої
дня, приписуємо персонажу риси, не властиві його часу, т. е. прагнемо зрозуміти невідоме через відоме.
Дуже важливо також показати соціальне становище портретованого, створити типовий образ представника певної доби.

Як жанр портрет з'явився кілька тисячоліть тому в античному мистецтві. Серед фресок знаменитого Кноського палацу, знайдених археологами при розкопках на острові Крит, є ціла низка мальовничих жіночих зображень, що належать до XVI століттідо н.е. Хоча дослідники назвали ці образи "придворними дамами", нам невідомо, кого намагалися показати критські майстри - богинь, жриць чи знатних дам, одягнених у ошатні сукні.
"Парижанка". Фреска з палацу Кноська, XVI століття до н.е.

Найбільшу популярність набув портрет молодої жінки, названий вченими “Парижанка”. Ми бачимо перед собою профільне (за традиціями мистецтва того часу) зображення молодої жінки, кокетливою косметикою, що не зневажала, про що свідчать її очі, обведені темним контуром, і яскраво нафарбовані губи.
Художники, що створювали фрескові портрети своїх сучасників, не заглиблювалися в характеристику моделей, та й зовнішню схожість у цих зображеннях досить відносно.
Релігійні уявлення у Давньому Єгипті, пов'язані з культом
мертвих, визначили прагнення передачі портретного подібності у скульптурному зображенні людини: душа померлого мала знайти своє містище.

На початку XX ст. археологи відкрили всьому світу чудове портретне зображення цариці Нефертіті.

Створений у XIV ст. до зв. е.,цей образ вражає плавністю ліній профілю, витонченістю гнучкої шиї, повітряною легкістю та текучими переходами неправильних, але чарівних рис жіночої особи.. Нефертіті була як царицею Єгипту, її шанували як богиню. Найвідоміша і, можливо, найкрасивіша з дружин єгипетських фараонів жила зі своїм вінценосним чоловіком у величезному розкішному палаці на східному березі Нілу.

У мистецтві Стародавню Грецію особливе місце посідають узагальнені, ідеалізовані образи героїв чи богів. У злитті духовного та фізичногохудожники та скульптори бачили втіленнякраси та гармонії людини.